Il Mediterraneo, con la sua luce e i suoi colori, ha rappresentato, per almeno cinque generazioni di artisti, una sfida ed una grande ispirazione.
Attraverso dipinti realizzati lungo un arco temporale che va dalla metà del Settecento fino alla metà del Novecento, la mostra “Mediterraneo da Courbet a Monet a Matisse”, a Genova fino al 1° maggio 2011, invita ad un viaggio in questi luoghi affascinanti e ne ripercorreremo l’importanza nell’evoluzione della storia dell’arte.
L’audioguida, realizzata da Antenna Audio, evidenzia il fascino e l’influenza che questi luoghi hanno avuto sui pittori….
Il tour si avvale del commento del curatore, Marco Goldin, intessuto con la narrazione attraverso significativi estratti di intervista. Nel percorso i visitatori sono invitati a scoprire quanto questi luoghi siano stati una profonda fonte di ispirazione ed abbiano portato artisti come Vernet, Huber, Courbet, Cézanne, Monet, Van Gogh, Bonnard, Signac, Matisse a  nuove, interessanti sperimentazioni suggerite da questi paesaggi e dalla calda luce del Mediterraneo. La produzione è inoltre arricchita da musiche che evocano in modo suggestivo questi luoghi ed i diversi periodi storici.

Gustave Courbet
Marina, 1865-66
Olio su tela 54×64 cm
Norton Simon Foundation

Gustave Courbet ci offre qui una visione del Mediterraneo che suggerisce il senso dell’infinito. L’impressione di profondità e di eternità è provocata da una pittura pastosa ed un’ampia gamma cromatica. Courbet rivoluziona la pittura del suo tempo. Per saperne di più ascoltate il commento…

courbet

Signac Paul
Antibes, mattino, 1914
olio su tela, cm 80 x 120,5
Varsavia, Muzeum Narodowe w Warszawie

Questa visione del porto di Antibes si compone attraverso dei tocchi di colore quadrati, simili alle tessere di un mosaico. Paul Signac è accanto a Georges Seurat il capostipite del pointillisme. La costa del Mediterraneo ha rappreentato per lui una fonte di ispirazione fondamentale. Per saperne di più ascoltate il commento.
signac

E per i bambini, Antenna Audio ha realizzato un’audioguida studiata ad hoc, affinchè anche i più piccoli possano approfondire le tematiche insite in questi grandi capolavori.

I protagonisti di questo tour, dedicato ai bambini (5-10 anni), sono Gastun, un anziano ed esperto marinaio francese, e sua nipote, Magalì, appassionata di storia dell’arte. Per amore della nipotina il vecchio marinaio inizia questo viaggio che lo porterà a scoprire alcuni luoghi – ed atmosfere particolari – delle coste del Mediterraneo, fissati sulla tela da artisti che abbracciano duecento anni di storia dell’arte, dal Settecento al Novecento. Il coinvolgimento dei giovani visitatori della mostra avviene attraverso un gioco che riguarda le due diverse personalità di Gastun e Magali: lei vorrebbe stare sempre sulla terraferma, lui sempre in mare.
Alla fine i ruoli si invertiranno ed il vecchio lupo di mare diventerà appassionato estimatore d’arte. Il tour è molto variegato e divertente: ci sono infatti diverse voci per i diversi personaggi e tanti suoni e musiche.
Inoltre, una vasta gamma di proverbi marinari costella il percorso e arricchisce di “buon senso marinaro” il viaggio alla scoperta del Mediterraneo.

Monet Claude
Veduta di Bordighera, 1884
olio su tela, cm 66 x 81,8
Los Angeles, The Armand Hammer Collection
dono di Armand Hammer Fondation. Hammer Museum

Durante il loro viaggio lungo la costa mediterranea Magalì e Gastun seguono Claude Monet fino in Italia dove il grande pittore impressionista dipinge il paese costiero di Bordighera. Ma ascoltate il commento dell’audioguida…

monet

Cézanne Paul
La montagna Sainte-Victoire, 1904-1906
olio su tela, cm 65 x 81
Svizzera, collezione privata

Il Monte Sainte Victoire è uno dei motivi preferiti di Paul Cézanne. Dipinse questa versione due anni prima di morire. Il commento dell’audioguida vi svelerà perché Cézanne era un artista rivoluzionario.

cezanne

Antenna Audio ha creato due percorsi di audioguide per questa straordinaria mostra; uno per il pubblico adulto ed uno dedicato ai più piccoli. Entrambe le audioguide sono state concepite come uno strumento di supporto alla mostra, e sono state ideate per arricchire e stimolare l’esperienza del pubblico.

PERCORSO ADULTI:
Con il percorso adulti i visitatori hanno la straordinaria occasione di essere trasportati in un altro mondo – il mondo onirico e misterioso di uno dei più importanti artisti del ventesimo secolo.
Questo intento è bilanciato con l’esigenza di dare ai visitatori indicazioni sostanziali per comprendere il tema specifico: quello del Paesaggio nell’opera di Dalí. Interventi del curatore Vincenzo Trione integrano il percorso in modo da coinvolgere il visitatore e dare autenticità al racconto attraverso la diretta visione curatoriale della mostra.
Altre voci, provenienti dai ricchi archivi di Antenna Audio, offrono prospettive diverse sulla vita e l’opera di Dalí, così da tratteggiarne meglio la personalità. Le voci sono quelle del regista Guillermo del Toro e Amanda Lear, musa ispiratrice di Dalí nell’ultima fase della sua vita, svela aspetti inediti della vita personale dell’artista.
Ascoltate i commenti selezionati del percorso adulti realizzato da Antenna Audio
 

La mano di Dalí toglie il vello d’oro a forma di nuvola per mostrare a Gala l’aurora dorata lontanissima dietro il sole, 1977
Olio su tela, opera stereoscopica a due pannelli, 60 x 60 cm
Spuntando dal palazzo in alto a destra, la mano di Dalì scosta una nuvola dorata e mostra lo sfolgorante spettacolo dell’aurora alla figura femminile al centro, Gala, moglie del pittore….

mano dalì

Idillio atomico e uranico melanconico, 1945
Olio su tela
1945: Hiroshima e Nagasaki vengono attaccate delle bome atomiche. E’ poco dopo questo tragico avvenimento che Dalì dipinge questa opera che segnerà una profonda svolta nella sua idea di arte…

idillio

PERCORSO BAMBINI: DALÍ A QUI, SEGUI I BAFFI DI DALÍ !
Lo spunto creativo del kids tour è quello di far passare i più piccoli dal mondo reale a quello dei sogni e di farli immergere in uno strano e misterioso labirinto, dove niente è come appare e dove si incontrano con l’artista stesso. Un Dalí eccentrico ed esilarante, in grado di sovvertire ogni regola e con il più bel paio di baffi mai visti al mondo, li accompagna nella sfida di trovare il modo di uscire dal fantastico dedalo. Passando da un’opera all’altra, i bambini devono risolvere degli indovinelli divertenti, per procedere nel percorso: come detto nel titolo, per andare ‘Dalí a qui’!
Durante il viaggio, i personaggi nei quadri si animano ed interagiscono con i bambini in un “gioco avventuroso” che stimola la loro attenzione.

Qui potete ascoltare dei commenti selezionati del percorso bambini realizzato da Antenna Audio

Venere di Milo con tiretti, 1936-1964
Scultura
Con quest’opera Dalì ha trasformato una straordinaria opera d’arte classica in un oggetto d’uso quotidiano: una cassettiera.  Ma ascoltate l’intero commento qui.

venere

Volto della guerra, 1940-41
Olio su tela, 64 x 79 cm
Un volto dall’aria sofferente ma anche spaventosa in un paesaggio deserto, senza alberi né fiori né case. Ma perché? Per saperne di più ascoltate qui.

volto

Nei primi decenni del Quattrocento Siena visse, insieme a Firenze, una straordinaria stagione artistica, che vide il trascorrere dal Gotico al Rinascimento.  E proprio dedicata all’arte senese della prima metà del Quattrocento è la splendida mostra in corso a Siena, che ha registrato un notevole sucesso di pubblico e di critica.
Allestita in varie sedi, ha il suo fulcro nella suggestiva cornice di Santa Maria della Scala, antico ospedale della città, oggi trasformato in complesso museale. Tra le più di 300 opere esposte, figurano dipinti e sculture. Inoltre, sono esposti preziosi manufatti tessili, lignei, e significativi codici miniati.
In occasione di questa mostra, Antenna Audio ha realizzato un’audioguida che consente di seguire le tappe salienti del percorso espositivo, attraverso il commento di quelle opere che sono considerate le highlights della mostra.
Ma andiamo ad ascoltare qualche commento della audio guida di Antenna Audio …
 

Jacopo della Quercia
Madonna della melagrana
Ferrara, Museo della Cattedrale

Splendido esempio di Gotico Internazionale, questa scultura è di Jacopo della Quercia, uno degli artisti di maggiore rilievo nella Siena del primo Quattrocento.  Faceva parte di una composizione più ampia, posta in una cappella privata del Duomo di Ferrara. Notate la fluidità delle vesti della Madonna e la naturalezza del suo corpo….

madonna melagrana

Giovanni di Paolo
Altare Pecci

L’Altare Pecci, eseguito da Giovanni di Paolo nel 1426, in origine ornava una cappella della Chiesa San Domenico a Siena. Successivamente venne smembrato in sette parti, ospitate in diversi musei del mondo, tra Altenburg in Germania e Baltimora negli Stati Uniti. In occasione di questa mostra, insieme ad altri polittici, viene finalmente ricomposto…

altare pecci

 
Donatello
Madonna del Perdono
marmo
Siena, Museo dell’Opera del Duomo

Questo capolavoro di Donatello colpisce per l’effetto di tridimesionalità prospettica che il pittore ha saputo infondere al marmo, e per lo sguardo pietoso che la Madonna rivolge al Bambino Gesù. E’ stata scolpita probabilmente a Siena alla fine degli anni ‘50 del ‘400, durante l’ ultimo soggiorno nella città da parte del maestro fiorentino…

perdono

Inoltre Antenna Audio, in collaborazione con Fondazione Musei Senesi e Vernice Progetti ha realizzato quattro percorsi audio che portano alla scoperta dello straordinario territorio senese.

Eccone un esempio da ascoltare.

Partendo da Siena il percorso vi conduce verso Firenze, sulle tracce dell’antica Via Francigena. Attraversate la Val d’Elsa con l’imponente fortezza di Monteriggioni, passate per il Castello di Staggia e quello di Poggio Imperiale, simboli del travagliato conflitto tra Siena e Firenze, per raggiungere San Gimignano. E dappertutto, in mezzo a fortezze, pievi e castelli scoprirete opere del Primo Rinascimento senese…

Monteriggioni

La mostra più importante dedicata negli ultimi vent’anni in Italia a Pieter Paul Rubens si tiene a  Como, nella splendida cornice settecentesca di Villa Olmo, dove vengono presentati 25 capolavori provenienti dalla Gemäldegalerie, dal Kunsthistorisches Museum e dal Liechtenstein Museum di Vienna, oltre a 40 opere di pittori fiamminghi del Seicento tra i quali Anton Van Dyck, Jacob Jordaens, Gaspar de Crayer, Pieter Boel, Cornelis de Vos.
Attraverso i commenti dell’ audioguida realizzata da Antenna Audio si toccano le tappe salienti del percorso espositivo, che si snoda per nove sale, attraverso i temi caratteristici della pittura di Rubens- come i soggetti sacri, i riferimenti alla storia e al mito – e contempla alcuni dei maggiori capolavori del maestro fiammingo.
Dice il curatore Sergio Gaddi : “Rubens è sempre contemporaneo, perché fissa nel tempo l’infinita bellezza del mondo e riesce a infondere la vita alle sue creazioni attraverso la luce e il colore. La sua pittura è una festa per l’anima e per gli occhi”.

Ma andiamo a sentire qualche commento della mostra …

Peter Paul Rubens
Circoncisione di Cristo
circa 1605
olio su tela applicata su tavola di quercia, 105 x74 cm
Vienna, Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste

Un incredibile dipinto, dalla composizione fortemente teatrale, che risponde, per il tema trattato, a precise indicazioni iconografiche dettate dalla Controriforma. Si tratta di una espressione chiara ed immediata della partecipazione al sentimento religioso.

circoncisione


Peter Paul Rubens
Borea rapisce Orizia
circa 1615
olio su tavola, 146×140 cm
Vienna, Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste

Vigoroso capolavoro, rappresenta il rapimento, narrato da Ovidio nelle Metamorfosi, della ninfa Orizia, da parte del barbuto e alato Borea, personificazione del vento del nord. Rubens fonde i due corpi in un avvolgente e fluttuante abbraccio, catturando il momento di transizione che dalla paura e violenza del rapimento conduce a un’estasi di amore e fantasia.

Orizia

E dall’Audioguida per i bambini realizzata da Antenna Audio abbiamo scelto i seguenti commenti:

Peter Paul Rubens
Vergine in gloria adorata dagli angeli
1608
olio su tela, 86 x 57 cm
Vienna, Gemäldegalerie der Akademie
der bildenden Künste

Un piccolo e simpatico putto parla ai bambini  da questo quadro. Si tratta di un dipinto sontuoso, dai colori brillanti, infatti era stato dipinto come modello per la decorazione dell’altare della chiesa di Santa Maria in Vallicella a Roma.

Vergine

Peter Boel
Natura morta con mappamondo, tappeto e cacatua
circa 1658
olio su tela, 129×168 cm
Vienna, Gemäldegalerie der Akademie der bildenden Künste

Sempre il simpatico putto si ritrova davanti a questa natura morta e ne illustra le caratteristiche ai bambini, quando….il pappagallo e il cagnolino fanno sentire la loro presenza nel quadro!

Natura

Invece, dallo skyline tour fuori Villa Olmo realizzato da Antenna Audio abbiamo scelto i seguenti commenti:

 VILLA OLMO
Adesso dovreste essere nel giardino davanti all’ingresso di Villa Olmo.
Voltatevi solo un momento verso la villa. Provate a tornare indietro nella storia, negli anni. Escludete i rumori intorno a voi e provate invece ad immaginare l’eco delle faccende quotidiane di chi la abitava. Lasciamo  la parola al Professor Longatti…

Villa

I GIARDINI
Avrete senz’altro notato la perfezione geometrica, l’ordine, delle aiuole che vi circondano. Eppure questo giardino ha una “doppia anima”. Sentiamo il perché dal Prof. Longatti…

Giardini

La foto di Villa Olmo è di Felice De Paoli

Second Story Sunlight
(Secondo piano al sole),1960
Olio su tela, 101,92 x 127,48 cm
Whitney Museum of American Art, New York;
acquisito grazie ai fondi dei Friends of the
Whitney Museum of American Art 60.54
© Whitney Museum of American Art, N.Y.
Fotografia di Steven Sloman

Edward Hopper è uno degli artisti più popolari e amati degli Stati Uniti e questa è la  prima grande mostra di Hopper in Italia.
Attraverso dei commenti dell’audioguida realizzata da Antenna Audio scopriremo come Hopper fosse un uomo quieto e riservato, un attento osservatore  della realtà da cui traeva ispirazione per  i suoi dipinti. Ma, al tempo stesso, le sue immagini evocative trasformano l’ordinario e catturano l’immaginazione.
“Spero che il pubblico comprenda con quanta profondità l’artista rifletteva su ciascun dipinto e che si accorga del travaglio che c’è dietro ciascuna di queste opere e che emerge dai lunghi studi basati sui disegni dell’artista. – ha dichiarato in un’intervista  Carter Foster, curatore della mostra di Hopper al Whitney Museum of American Art di New York  – Molti dei disegni vengono esposti qui per la prima volta, oppure è la prima volta che compaiono assieme ai dipinti, e questo è un grande contributo allo studio di questo artista.
La maggior parte delle opere presenti in mostra proviene infatti dal Whitney Museum.

 
Pennsylvania Coal Town
(Cittadina mineraria in Pennsylvania), 1947
Olio su tela, 71,1 x 101,6 cm
Collezione del Butler Institute of American Art
Youngstown, Ohio, Museum purchase 194

I dipinti di Hopper vengono spesso descritti come ‘cinematografici’. In questo caso, non sta accadendo niente di particolare: un uomo rastrella il prato mentre la luce del sole inonda la parete gialla dietro di lui. Ma Hopper riuscì a catturare la sensazione di uno sguardo casuale, momentaneo, come se l’immagine fosse stata colta da un’auto di passaggio o ripresa da un obiettivo. Scopriamo, nell’audioguida, i commenti al dipinto dei curatori della mostra, Carter Foster e Carol Troyen , studiosa di Hopper e curatrice del Museum of Fine Arts di Boston, e approfondiamo il parallelismo che esiste tra Hopper e il cinema…

Coal Town

 
A Woman in the Sun
(Una Donna nel sole), 1961
Olio su tela, 101,92 x 155,58 cm
Whitney Museum of American Art, New York;
donazione per il 50° anniversario del Mr. and
Mrs. Albert Hackett in onore di Edith e Lloyd
Goodrich 84.31
© Whitney Museum of American Art, N.Y.
Fotografia di Steven Sloman

Una donna nuda, in piedi, gode il tepore del sole, e il suo sguardo è diretto verso una finestra aperta. E’ un’immagine che abbiamo già visto in questa esposizione, ed eccola nuovamente, in un dipinto del 1961, realizzato quando Hopper aveva quasi ottant’anni.  Che cosa pensa la donna? E quali chiavi interpretative possono essere ricondotte alla scena? Per saperne di più ascoltate il commenti dell’audioguida.

Donna al sole

E dall’Audioguida per i giovanissimi visitatori realizzata da Antenna Audio abbiamo scelto i seguenti commenti:

Hopper’s Hat on His Etching Press,
(Cappello di Hopper sul torchio per acquaforte), s.d.
Conté crayon nera su carta, foglio 28,1 x 38,4 cm
Whitney Museum of American Art, New York;
lascito di Josephine Nivison Hopper, 70.344
© Heirs of Josephine N. Hopper, licensed by the
Whitney Museum of American Art.
Fotografia di Sheldan C. Collins
Ecco due oggetti importantissimi nella vita di Hopper: un trespolo e un cappello. Cosa si nasconde dietro a queste immagini? Sappiate che c’è sempre una storia da raccontare. Basta cercarla, anche in un cappello…
Ascoltate il commento.
 

 Cappello Kid

Soir Bleu, 1914
Olio su tela, 91,4 x 182,9 cm
Whitney Museum of American Art, New York;
lascito Josephine N. Hopper 70.1208
© Heirs of Josephine N. Hopper, licensed by
the Whitney Museum of American Art.
Fotografia di Jerry L. Thompson

È notte, una notte blu e intensa e il bar è illuminato da grandi lanterne cinesi. Ma chi sono queste persone? Chissà, magari si sentono tristi e soli nonostante siano in compagnia e in una grande città. Scopriamo chi sono e cosa pensano nel contributo audio.

Sera blu

La mostra Corot e l’arte moderna – Souvenirs e Impressions a Palazzo della Gran Guardia di Verona, esplora l’opera di Jean-Baptiste Camille Corot, uno dei più importanti artisti dell’Ottocento, presentando più di 100 capolavori provenienti dal Musée du Louvre e altri musei internazionali.
Oltre a scoprire questo eccezionale artista, si possono ammirare le opere sia degli artisti che l’hanno influenzato, come Poussin, sia  di quelli che Corot ha ispirato, come Monet, Cézanne e Picasso, attraversando così quattro secoli di pittura europea che rivelano come Corot rappresenti  “l’ultimo dei classici e il primo dei moderni”.
All’interno di una sceneggiatura complessa e coinvolgente, l’audioguida, realizzata da Antenna Audio, contiene molteplici frammenti di un intervista a Vincent Pomarède, direttore del dipartimento di Pittura del Musée du Louvre e curatore della mostra. Questo massimo esperto di Corot spiega come l’artista  basi il suo stile sulla grande tradizione classica del Seicento e come abbia influenzato generazioni di artisti, dagli Impressionisti ai Fauves, fino ai Cubisti. Paola Marini, direttrice dei Musei d’Arte e Monumenti del Comune di Verona, invece, ci rivela l’importanza della mostra per la sua città.

Per conoscere l’artista, potete ascoltare il commento sul suo Autoritratto.
Jean-Baptiste Camille Corot: Autoritratto, Galleria degli Uffizi, Soprintendenza Speciale per il Polo Museale Fiorentino, Firenze

Autoritratto

Jean-Baptiste Camille Corot: Tivoli, I giardini di Villa d’Este, 1843, Musée du Louvre, Paris

 
Questo paesaggio di Tivoli è uno dei capolavori assoluti del Corot paesaggista. Lo  dipinge all’occasione del suo terzo soggiorno in Italia nel 1843 quando lavora a Roma e nei dintorni della città. L’Italia è stata fondamentale per l’artista perché la luce e il paesaggio italiano sprigionano le risonanze del mondo antico e della grande tradizione e allo stesso tempo contengono la forza e l’emozione, di cui Corot ha bisogno. Per saperne di più ascoltate la traccia.

Tivoli

Jean-Baptiste Camille Corot: La cattedrale e la città viste da dietro gli alberi, al mattino, 1865 ca., Musée des Beaux-Arts, Reims

Dietro gli alberi dall’altro lato della Senna, si possono vedere la “Collegiata”, la Cattedrale di Mantes, importante monumento storico in Francia. Si tratta di un’opera tarda di Corot che ormai ha sviluppato pienamente la sua straordinaria arte di rappresentare il paesaggio. Qui ci sorprende la particolare luminosità. Per il curatore della mostra Vincent Pomarède è una sinfonia che parte dall’azzurro, elemento attraverso cui Corot trasmette le emozioni. Ascoltando la traccia dell’audioguida, potete scoprirne i dettagli.

Mantes

La mostra aperta a Villa Manin di Passariano, in provincia di Udine, dal 26  Settembre al 10 Marzo 2010, illustra la fondamentale influenza che la pittura francese del secondo 800 ha esercitato sui paesi dell’Europa centrale e orientale.
In particolare – attraverso 134 dipinti provenienti da una trentina di musei europei e americani e alcune collezioni private europee -  si pone l’accento sulla novita’ della pittura ’’en plein air ‘’ del gruppo di  artisti francesi che si stabilirono a Barbizon, vicino alla foresta di Fontainebleau, per rappresentare la natura dal vero, ossia come la percepivano nel momento in cui la dipingevano.
Per il visitatore sarà straordinario vedere allineati in una sola sala i boschi dipinti da Rousseau, Corot e Courbet, e poi quelli dei giovani impressionisti come Sisley e Monet. Poi mari, fiumi, ritratti di persone nella natura e così via. Accanto a noti capolavori francesi, si potranno poi conoscere numerose ed eccellenti opere di artisti meno noti dell’Europa centro-orientale, per la prima volta esposte in Italia.
L’ audioguida realizzata da Antenna Audio offre un prezioso arricchimento alla mostra e la possibilità di ascoltare dalla voce diretta del curatore Marco Goldin qualcosa in più sulle opere e gli artisti.
Per i giovani visitatori, Antenna Audio ha creato un tour dedicato, in cui Camille, prima moglie di Claude Monet, rivela al loro figlio Jean molte curiosità sulla mostra.

Ma andiamo a sentire qualche commento della mostra …

IL MEDITERRANEO A MAGUELONNE, VICINO MONTPELLLIER, 1858
GUSTAVE COURBET
AMSTERDAM, VAN GOGH MUSEUM (VINCENT VAN GOGH FOUNDATION)
Vedete una scena sobria. Un mare calmo si estende all’orizzonte in una tonalità cupa suscitando un’atmosfera misteriosa. Questo celebre dipinto, che raffigura il mar Mediterraneo visto da Montpellier, appartiene alle opere che Gustave Courbet espose nel 1867 nel suo “Pavillon su Réalisme”. Ascoltate il commento dell’audioguida per sapere  dal curatore Marco Goldin perché quest’opera è rivoluzionaria per sua sua epoca.

commento

IL PITTORE ANDREESCU A BARBIZON, 1879-1880
NICOLAE GRIGORESCU
BUCAREST, MUZEUL NAŢIONAL DE ARTĂ AL ROMÂNIEI

 
In questo quadro il pittore rumeno Nicolae Grigorescu ritrae il suo collega e connazionale Ioan Andreescu.
Ascoltando il commento dell’audioguida potete scoprire perché ambedue pittori sono considerati i fondatori della pittura rumena moderna.

commento

E dall’Audioguida per i giovanissimi visitatori abbiamo scelto il seguente commento:

CAMILLE MONET E IL FIGLIO NEL GIARDINO DELL’ARTISTA A ARGENTEUIL, 1875
CLAUDE MONET
BOSTON, MUSEUM OF FINE ARTS
Questo splendido dipinto di Monet, una sorta di manifesto della pittura impressionista francese, ritrae una scena domestica, intima, dalle connotazioni particolarmente delicate. Le due figure ritratte sono Camille, prima moglie di Monet, e il loro piccolo figlio Jean. Si trovano nel giardino della casa dell’artista ad  Argenteuil vicino a Parigi, dove il pittore cercava per se’ e la sua famiglia un’oasi di tranquillita’. Ma sentite dall’audioguida cosa si dicono proprio madre e figlio.

commento

Con l’esplosiva mostra “Mapping the Studio” è stato inaugurato a Venezia il nuovo spazio espositivo di Punta della Dogana, l’ex dogana di Venezia, restaurata radicalmente dall’architetto giapponese Tadao Ando. Negli enormi magazzini dove dal ‘500 si scaricavano le mercanzie, ora possiamo ammirare le opere di 60 artisti provenienti dalla Collezione di Francois Pinault.
Il titolo “Mapping the Studio” allude da un lato all’instancabile vitalità e il tenace spirito di scoperta che nel corso degli anni hanno animato la formazione di una delle più grandi collezioni di arte contemporanea del mondo, testimoniando l’analogia tra la dimensione intima dello studio degli artisti e l’appassionata visione personale del collezionista.
L’intera mostra comprende 200 opere ed è distribuita tra Punta della Dogana e Palazzo Grassi. L’audioguida realizzata da Antenna Audio, comprende delle interviste ai due curatori Alison Gingeras e Francesco Bonami che accompagnano il visitatore per tutto il percorso della mostra.
Ne potete ascoltare un assaggio qui.

Punta della Dogana

Vedute aeree / Aerial views / Vues aériennes
© Palazzo Grassi S.p.A, ORCH Orsenigo_Chemollo

Maurizio Cattelan, Untitled, 2007
Cavallo impagliato: pelle di cavallo, fibra di vetro, resina / Taxidermied horse: horse hide, fiberglass, resin / Cheval empaillé: pelage de cheval, fibre de verre, résine
300 x 170 x 80 cm

Courtesy: Palazzo Grassi Spa
Foto: ORCH Orsenigo-Chemollo

Negli spazi di Punta della Dogana, un cavallo sospeso che sembra voler saltare dentro il muro. Un’immagine bizzarra, sorprendente che confonde. L’autore di quest’opera è Maurizio Cattelan, uno dei più importanti e controversi artisti della scena contemporanea.

Nel commento dell’audioguida Francesco Bonami vi rivela di più sull’opera.

CAttelan

Cy Twombly , Coronation of sesostris, 2000
Acrilico, matita e pastello a cera su tela. 10 pannelli, dimensioni variabili

Al suolo
Richard Hugues, Broken circle, 2006
Polistirene, filo metallico, jesmonite, polvere di pietra, resina epossidica, foglie, lacca, pittura acrilica.
3 parti (170x80x80 cm – 165x60x75 cm – 80x80x50 cm)

Courtesy: Palazzo Grassi Spa
Foto: ORCH Orsenigo-Chemollo

Dieci dipinti che attraverso segni e colori sottili formano una narrazione. Come spesso nella sua produzione artistica, Cy Twombly ha scelto un tema mitologico, l’incoronazione del faraone egizio Sesostris. Ma ascoltate il commento dell’audioguida per saperne di più dalla curatrice Alison Gingeras.

Cy Twombly

Barbara Kruger, Untitled (I shop therefore I am), 1987
Photographic screenprint on vinyl
284.5 x 287 cm

Courtesy: Skarstedt Gallery, New York

A Palazzo Grassi un’intera sala è dedicata all’artista americana Barbara Kruger.
Nei suoi collage con foto eleganti e testi diventati iconici come “I shop therefore I am”, Barbara Kruger gioca con le immagini e il linguaggio dei massmedia e lo destruttura per scoprire i rapporti di potere nella società. Nel commento dell’audioguida , Alison Gingeras vi rivela di più sull’artista e la sua strategia.

Barbara Kruger

a cura di Antenna Audio

ITINERARIO:
A - Basilica di Sant’Ambrogio
Punto d’ interesse: Chiesa S.Maria alla Porta
Punto d’interesse: Piazza Affari
B – Piazza Mercanti
C - Galleria Vittorio Emanuele

A – BASILICA DI SANT’AMBROGIO
La Basilica di sant’Ambrogio è un bellissimo esempio di basilica romanica dedicata al santo patrono della città. Edificata tra il 379 e il 386 per volere del vescovo di Milano Ambrogio, fu costruita in una zona in cui erano stati sepolti i cristiani martirizzati dalle persecuzioni romane.
Da un punto della piazza situato di fronte all’ingresso alla Basilica sono visibili i due campanili: quello di destra,  detto “dei Monaci”, risale al secolo IX, mentre quello di sinistra, detto “dei Canonici” fu costruito nel secolo XII e completato poi con una loggia alla fine del 1800.
Curiosità: la colonna che si trova a fianco alla basilica, chiamata “colonna del diavolo”, ha due fori causati secondo una leggenda, durante una lotta tra S’Ambrogio ed il demonio. Quest’ultimo nel tentativo di infilzare il Santo, si scontrò con la colonna.
Ogni anno, inoltre, di fronte alla chiesa si svolge la fiera degli “Oh Bej Oh Bej”, un mercatino delle pulci che sopravvive dal 1866. (Indirizzo: Piazza Sant’Ambrogio metropolitana MM2, fermata S. Ambrogio, Sito Web: http://www.santambrogio-basilica.it Telefono: 02 86450895, Orari: 9,30-12,00 e 15,30-18,00 chiuso martedì, e.mail:  santambrogio@chiesadimilano.it)

Basilica Sant’Ambrogio mp3

Da Via Gorani, svoltare a sinistra in Via Santa Maria alla Porta

Punto di interesse Chiesa di Santa Maria alla Porta
Forse già esistente nel XII secolo, la attuale chiesa di Santa Maria alla Porta fu eretta a Milano in piena dominazione spagnola nell’anno 1652 su progetto dell’architetto Richini. Il progetto fu poi terminato da Francesco Castelli detto il Borromini al quale si deve la costruzione del portale barocco e del sovrastante timpano; la via sulla quale si affaccia la chiesa, via Santa Maria alla Porta, era parte del decumano che da Piazza San Sepolcro conduceva alla Porta Vercellina.
La chiesa, come moltissime altre chiese milanesi, fu duramente colpita dai bombardamenti aerei anglo-americani della Seconda Guerra Mondiale: tuttora sono visibili, in facciata e sulle colonne in pietra, fori e sbrecciature causati dalle schegge delle bombe.
Santa Maria alla Porta è attualmente una fondazione costituita con il lascito di fedeli che celebra messe per i fedeli di lingua polacca come testimoniato da una targa recentemente applicata a fianco dell’ingresso.
La parrocchia di Santa Maria alla Porta celebra la messa alle ore 17,30 dei giorni feriali e alle ore 9,30 dei giorni festivi; la chiesa è aperta tutti i giorni dalle ore 8 alle ore 11.

Da Via Santa maria alla Porta girare a destra su Via delle Orsole e giungere sino a Piazza Affari

 
Punto di interesse: Piazza degli Affari
Piazza degli Affari, meglio nota come Piazza Affari è il cuore della finanza milanese. La sede della Borsa si trova proprio all’interno di Palazzo Mezzanotte, progettato dall’architetto Paolo Mezzanotte e inaugurato nell’ottobre del 1932. Palazzo all’avangurdia per l’epoca, prevedeva infatti l’esecuzione automatica delle chiamate simultanee degli ascensori ed aveva un sistema di condizionamento dell’aria funzionante con acqua e vapore oltre ad ospitare il più grande quadro luminoso elettrico d’Italia che permetteva la visione della quotazione in tempo reale dei 78 titoli ammessi alla Borsa di Milano.
All’interno del palazzo, la sala più importante è la grande sala delle grida, luogo dove si eseguivano le contrattazioni “a chiamata” illuminata dall’alto attraverso un grande velario raffigurante la volta celeste e le sue costellazioni. (Per informazioni http://www.palazzomezzanotte.it/)

Procedendo per Via Cordusio e svoltando a destra in Via degli Orefici, eccoci arrivati a Piazza Mercanti

B – PIAZZA MERCANTI
Entrati in Piazza Mercanti, sul muro del Palazzo della Ragione, in una nicchia, è visibile il rilievo di Oldrado da Tresseno a cavallo. L’epigrafe alla base del rilievo (attribuita alla scuola di Benedetto Antelami) tradotta, significa: “Anno del Signore 1233. Ad Oldrado di Tresseno podestà di Milano. Tu che percorri gli atrii regali del grande palazzo, sempre ricorderai i meriti del podestà Oldrado, cittadino lodigiano, difensore della fede e della spada, che costruì il palazzo e bruciò i Catari, com’era suo dovere”.
Sulla piazza sorge la Loggia degli Osii, risalente al 1316 ma ricostruita nel 1904 sul quale loggiato superiore si intravede ancora la “parlera”, cioè il balcone dal quale veniva arringato il popolo e da dove venivano lette le sentenze.
In mezzo alla piazza un tempo c’era “la Pietra dei Falliti”, un blocco di pietra dove i malfattori venivano esposti alla pubblica vergogna che oggi è stata sostituita da una vera da pozzo del 1500.

Piazza Mercanti mp3

Da Piazza Mercanti, svoltando a destra, si arriva a Piazza del Duomo dove imponente si erge il simbolo per eccellenza di Milano. Per arrivare alla Galleria Vittorio Emanuele II si può attraversare Via Foscolo o Via Pellico, da dove si giunge in quello che è definito il salotto lussuoso della Milano bene.

 
C - Galleria Vittorio Emanuele
La Galleria è ricca di negozi, librerie, ristoranti e caffè con tavoli all’aperto ed è stata portata a compimento nel 1877 su progetto di Giuseppe Mengoni, il quale, paradossalmente, vi morì precipitando dalla cupola dell’ottagono (alta 47 metri) che vi è all’interno, durante un’ispezione il 30 dicembre 1877. Molti pensano si trattò di un suicidio, dovuto alle critiche sulla costruzione espresse da più parti e dalla delusione della mancata presenza del re all’inaugurazione del 1867.
Sul pavimento dell’Ottagono centrale, al centro, è realizzato a mosaico lo stemma di Casa Savoia. Ai suoi lati, sempre in mosaici, sono rappresentati gli stemmi delle quattro città che in epoche diverse sono state capitali del Regno d’Italia: nell’ordine Milano (con Napoleone), poi Torino, Firenze e infine Roma (coi Savoia).
Nelle lunette attorno alla volta, sono raffigurate le allegorie dei quattro continenti: Africa, Asia, Europa e America.
Curiosità: La tradizione afferma che ruotare su se stessi stando col tallone del piede destro sui genitali del toro ritratto a mosaico entro lo stemma della città di Torino sul pavimento dell’Ottagono della galleria, porti fortuna. Questo rito scaramantico, ripetuto centinaia di volte al giorno dai passanti, principalmente turisti, usura velocemente l’immagine del toro che deve essere ripristinata frequentemente.
In realtà l’antica tradizione milanese prevedeva di strisciare il piede sullo stemma soltanto la notte del 31 dicembre a mezzanotte.

Galleria VE mp3

EVENTI:
Consulta tutti gli appuntamenti a Milano selezionati da Tafter

 In collaborazione con Discovery Audio

Afrodite Capitolina

 
Come numerose opere del museo, questa scultura è una copia romana di una celebre opera ellenistica, l’ “Afrodite Capitolina”. In questo commento dell’audioguida, potete saperne di più sull’origine di questa rappresentazione della dea dell’amore e della bellezza e sulla sua funzione nell’architettura dell’Antichità.

Afrodite

Mosaico di Alessandro
Ascoltando la descrizione del grandioso “Mosaico di Alessandro”, conoscerete la più imponenete opera musiva giunta fino a noi dall’Antichità. 
L’opera decorava la Casa del Fauno di Pompei, una lussuosa dimora aristocratica pompeiana della seconda metà del II secolo a.C, con una ricca decorazione pittorica e una vera e propria galleria di mosaici ellenistici.
Questo mosaico coglie un momento decisivo della battaglia di Alessandro III, contro Dario III, re di Persia, nel 333 a. C.
Per sentire la storia del suo ritrovamento, sentire i dettagli sulla tecnica e tanti altri aspetti della sua storia, ascoltate il commento.

Alessandro

Il podcast mensile
Il podcast della National Gallery Londra di Londra di maggio 2009 (a cura di Antenna Audio)

Le donne nude e carnose di Peter Paul Rubens dividono la critica? La curatrice Betsy Wiesemann ce ne spiega il motivo, argomentando sulle opinioni espresse sul più grande artista della metà del Seicento in Europa. Inoltre, scoprite come Pablo Picasso fosse capace di cambiare stile da un momento all’altro, attraverso le parole di Chris Riopelle, uno dei curatori di “Picasso Challenging the Past” alla National Gallery, che spiega i modelli e le ispirazioni dell’artista.
E infine, vi verrà rivelato come Joshua Reynolds abbia nobilitato il ritratto pittorico tra i generi artistici del Settecento.

Il podcast mensile  

A cura di Antenna Audio

Ascoltate i due commenti selezionati dall’audioguida.

Nimai do Gusoku – metà del periodo Edo

L’armatura che vi viene presentata qui, è eccezionale. Fatevi raccontare il significato dei simboli presenti su quest’armatura dal curatore Giuseppe Piva. Oltre alla storia dell’armatura vi vengono rivelati numerosi aspetti sulla vita e il ruolo dei Samurai.

Samurai

Tachi in uchigatana koshirae – scuola Ko Mihara

Questo commento  introduce all’oggetto più importante per un Samurai: la spada. Il curatore Giuseppe Piva spiega perché.

Spada

Il podcast mensile
 
From Van Dyck to Bellotto: Splendor at the Court of Savoy
BOZAR - Bruxelles
Fino al 24 maggio 2009

Scoprite le corrispondente tra l’arte fiamminga e piemontese! Con questo podcast, realizzato da Antenna Audio, sarete introdotti alla mostra “From Van Dyck to Belotto” al museo Bozar di Bruxelles. Provenienti per gran parte dalle splendide collezioni della Galleria Sabauda di Torino, dimostrano l’interesse della famiglia Savoia per i maestri fiamminghi. Ma il podcast vi rivela anche aspetti meno conosciuti sulla pittura italiana dal ’400 al ’700 di questa collezione.  

Podcast

A cura di Antenna Audio

Il tour per adulti (in italiano e inglese) introduce i visitatori alla scoperta della mostra, accompagnati dai curatori, Ada Masoero e Giovanni Lista, che spiegano le ragioni di questo progetto gettando nuova e diversa luce sullo straordinario lavoro dei Futuristi. Rivelano infatti i motivi di un approccio multidisciplinare alla mostra, che integra, oltre alla pittura e la scultura, anche il teatro, la fotografia, il cinema, il paroliberismo e la cultura quotidiana.
Il tour è vivacizzato e contestualizzato dalla lettura di citazioni scritte dai Futuristi e dall’uso di effetti sonori futuriste e musiche che si adattano particolarmente all’epoca.

Antenna Audio ha anche realizzato un percorso specifico per i bambini che sono in visita alla Mostra. Con le sue immagini dinamiche e i forti richiami di movimento e suono, l’arte futurista esercita sicuramente una grande presa sul pubblico più giovane. In partenza per un nuovo viaggio a Palazzo Reale, i piccoli visitatori della mostra potranno sperimentare in presa diretta tutto l’impatto di questo movimento rivoluzionario attraverso un’emozionante  audioguida che Antenna Audio ha creato appositamente per le famiglie. Narrato da personaggi originali e divertenti e arricchito da suoni scintillanti, l’audiotour accompagnerà i bambini in un viaggio mozzafiato alla scoperta di un mondo dirompente di macchine e azione. La sfida che i piccoli utenti dell’audioguida dovranno affrontare -e provare a vincere – sarà una corsa verso il futuro!

Percorso Adulti

 

Umberto Boccioni
Forme uniche della continuità nello spazio, 1913
bronzo, 112x40x90 cm
Milano, Civico Museo d’Arte Contemporanea

Questa scultura è il capolavoro di Umberto Boccioni e da lui stesso considerato tale. I curatori della mostra, Ada Masoero e Giovanni Lista, vi rivelano il perché in questo commento dell’audioguida.

Boccioni

Percorso Bambini

Carlo Carrà
Il cavaliere rosso, 1913
olio su tela, 23×36 cm
Milano, Civiche Raccolte d’Arte, Muso del Novecento, Collezione Jucker
© Comune di Milano – tutti i diritti di legge riservati

I piccoli visitatori della mostra possono andare alla scoperta del Futurismo con tre personaggi molto particolari: Guizzo, Placido e Luce. Percorrono la mostra in una gara verso il futuro. Ognuno di loro ha un punto di vista molto particolare di quest’opera “Il Cavaliere Rosso” di Carlo Carrà. Vi riveleranno gli aspetti innovativi e rivoluzionari della pittura futurista.

Carrà, cavaliere rosso

Il podcast mensile
In Tour per i musei di Londra:
Antenna Audio, insieme a “Visit London”, l’organizzazione ufficiale per la visita turistica di Londra, ha sviluppato un percorso speciale che presenta alcuni dei più importanti musei e monumenti della capitale britannica. Scoprite il “British Museum”, la “National Gallery”, la “Royal Academy”, la “Tate Modern” e il “Tower of London” attraverso le testimonianze di chi ci lavora e degli abitanti di Londra.

Podcast

A cura di Antenna Audio

In questo dipinto possiamo osservare alcune delle principali innovazioni pittoriche di Georges Seurat. Mentre la formazione dell’artista era tradizionale, basata sui principi accademici, la sua tecnica e i suoi soggetti non lo erano affatto. Già la scelta del tema, un sobborgo di Parigi di nome Courbevoie, dimostra che l’artista preferiva dipingere quello che vedeva intorno a sé. Nella composizione geometrica, Seurat inizia a dividere i colori in modo sistematico.
È solo l’inizio della sua ricerca.

Georges Seurat: La Senna a Courbevoie, 1885
olio su tela, 81,4×65,2 cm
Collezione privata

La Senna a Courbevoie

A differenza di Georges Seurat, Paul Signac era un autodidatta. Seurat e Signac si incontrarono nel 1884. Condividendo l’interesse per le teorie del colore e l’obiettivo di dipingere soggetti moderni con uno stile rigoroso e innovativo, iniziarono a collaborare per dare forma ai principi del neoimpressionismo e strinsero una forte amicizia.
Quando Signac dipinse questo dipinto, Seurat era morto da quasi 15 anni e Signac aveva portato il neoimpressionismo verso una nuova direzione con colori più vivi, la composizione più animata. Scoprite di più sul significato dell’arcobaleno in questo dipinto e sulla scelta di Signac di dipingere Venezia, ascoltando il commento.

Paul Signac: L’Arcolbaleno, Venezia, 1905
olio su tela, 73,7×92,3 cm
Collezione privata
Arc en ciel. Venise

 
Il podcast mensile
Emory Michael C. Carlos Museum
Le collezioni Emory si sono sviluppate a partire dalla fine del Ottocento con la fondazione di un museo situato sul campus universitario di Oxford in Georgia, diventato presto il museo più importante del Sud-Est statiunitense. Spaziando dall’arte antica egiziana, americana, africana a quella asiatica, le collezioni arrichiscono in primo luogo la ricerca scientifica universitaria.

La serie di Podcast, prodotta da Antenna Audio, presenta ogni volta un’opera della collezione. Ne discutono due esperti di differenti discipline che spiegano il loro punto di vista, rivelando così delle prospettive nuove e insolte sull’opera in questione.

Podcast

a cura di Antenna Audio

Percorso Adulti
Giroscopio, 1986-1987

Copyright: Carlo Orsi

Il giroscopio di Arnaldo Pomodoro è una scultura monumentale con i suoi quattro metri di diametro ma appare allo stesso tempo leggero per le sue forme levigate.
Sembra un pianeta inventato dall’artista.

Giroscopio, 1986-1987

Percorso bambini
The Pietrarubbia Group

Copyright: Carlo Orsi

In questo commento dell’audioguida i giovani visitatori della mostra sono accompagnati da Pomo, il professore di storia e letteratura. Egli gli fa notare infatti che la forma di quest’opera può essere associata sia ad un fiore, sia ad un libro aperto. Ma ascoltate che fiori e libri aveva in mente l’artista quando ha concepito questa scultura!

The Pietrarubbia Group

 
Il podcast mensile
La storia di Aimé Maeght
Questo mese vi presentiamo la nuova puntata del Podcast prodotta Royal Academy of Arts di Londra. Potete scoprire la storia di Aimé Maeght uno dei più affascinanti personaggi del mondo dell’arte del secondo Novecento attraverso i racconti delle sue nipoti. Immediatamente dopo la seconda guerra mondiale egli apre la sua prima galleria a Parigi, introducendo con le sue attività di collezionista e editore, un nuovo spirito nel panorama dell’arte contemporanea europea.

Aimé Maeght

a cura di Antenna Audio

Percorso Adulti:
Vincent van Gogh, Angolo di giardino, giugno 1881
matita, pastello nero, penna e inchiostro, marrone e grigio acquerellati, acquerello opaco su carta vergata, mm 445 x 567
Kröller-Müller Museum, Otterlo

Percorso adulti

Questo angolo di Giardino appartiene probabilmente alla casa dei genitori di Van Gogh. L’artista eseguì l’opera nell’aprile 1881 quando tornò a casa e si fermò per sei mesi. Scoprite con questo commento le orgini di Vincent Van Gogh, i rapporti con la sua famiglia: ascolterete le parole dell’artista stesso che diresse al suo fratello Vincent a proposito dei suoi sviluppi nell’arte di disegnare.
Inoltre Liz Kreijn, responsabile delle Collezioni del Museo Kröller-Müller, vi rivela perché Helene Kröller-Müller rimase affascinata da questo disegno.
“L’angolo di un giardino, dove una pergola di legno ombreggia un tavolo, una panca e una sedia. È probabilmente il giardino dei genitori di Van Gogh. Suo padre era un ministro della Chiesta Riformata olandese e la famiglia viveva a  Etten, nella regione olandese del Brabant. Nell’aprile del 1881, Van Gogh tornò a casa, dove si fermò per sei mesi.
Il rapporto tra padre e figlio era teso, ma Vincent si concentrava sui suoi disegni, rivolgendo la sua attenzione alla gente del posto e all’ambiente. In questo lavoro, vediamo come stesse prendendo confidenza con il disegno. Fu lui stesso a scrivere: “Ho la mano del disegnatore, e sono felice di avere, attaccato al corpo, uno strumento così valido, anche se ancora maldestro”.

Questo disegno era uno dei preferiti di Helene Kröller-Müller. E Liz Kreijn, Responsabile delle Collezioni del Museo Kröller-Müller, ci spiega il perché.
“Helene Kröller-Müller apprezzava questa opera perché la riteneva una scenetta graziosa, e questo lo pensava già prima di quando vide il disegno per la prima volta, prima che entrasse a far parte della sua collezione. In una lettera al suo confidente Sam van Deventer scrisse che quello che le piaceva del disegno più di tutto era la presenza tangibile delle persone, e probabilmente dicendo questo si riferiva al fatto che lei e Sam sedevano spesso insieme su una panchina nel giardino della casa di Helene, che si chiamava ‘Huis ten Vijver’”.
Percorso Bambini:
Vincent van Gogh, Due contadine che raccolgono patate, agosto 1885
olio su tela, cm 31,5 x 42,5
Kröller-Müller Museum, Otterlo

Percorso Bambini

In questo commento per i giovani visitatori della mostra assistiamo ad una tappa alla ricerca di Vincent Van Gogh, intrapresa da suo fratello Theo, che comunica con le “due contadine che raccolgono patate“ di questo bellissimo quadro. Scoprite come Vincent ritraeva dal vero le persone e come sviluppava il suo stile partecipando alla vita quotidiana dei contadini.
Theo: Vincent ha imparato da solo a dipingere, senza andare a lezione  e disegnare soggetti mitologici o storici. Ha sempre ritratto persone vere, come le due contadine che vediamo qui. È un’idea moderna e sono molti i giovani artisti che lo fanno. Altri pensano che sia assurdo, ma è una tendenza che si sta diffondendo.
Donna 1: Abbiamo sempre pensato che seminare e raccogliere patate fosse noioso, ma tuo fratello Vincent invece ne era molto entusiasta. Ci ha detto che noi ci guadagniamo da mangiare onestamente.
Theo: E cos’altro ha detto?
Donna 2: Solo che era molto contento di un dipinto che aveva realizzato di una famiglia locale, seduta a tavola la sera a mangiar patate. Ci ha lavorato molto. Si chiama “I mangiatori di patate”. Secondo lui, è il suo primo capolavoro.
Theo: Pensate che Vincent sia riuscito a riprodurre il movimento di queste due donne alle prese con il loro duro lavoro? Notate come loro scavino in una direzione, mentre il vento, soffiando, sposta i rami dell’albero a sinistra nell’altra direzione. È come se stessero lottando contro la natura.
Donna 1: E a volte ci sembra proprio che sia così.
Theo: Il quadro è bellissimo ma non abbiamo ancora trovato Vincent. Se è sempre più sicuro del suo stile, forse si è diretto verso la capitale artistica dell’Europa. Come tutti i giovani aspiranti artisti. Sì, scommetto che lo troveremo lì.
Donna 2: Ma lì dove?
Theo: A Parigi.

Il podcast mensile
Il podcast di questa edizione è dedicato alla mostra The Smile of Buddha in corso al Bozar, Centre for fine Arts, Bruxelles. Fino al 18 gennaio 2009

1600 Years of Buddhist Art in Korea
1600 Years of Buddhist Art in Korea

a cura di Antenna Audio

Sul Canal Grande si vede la scultura “Autoritratto” di Alighiero Boetti, uno dei più importanti artisti italiani che hanno lavorato dal 60 fino alla… metà degli anni 90. È una fontana. L’artista si bagna la testa e la testa fuma. Il curatore Francesco Bonami spiega:

“È come se volesse raffredare le idee, le tantissime idee che nella vita ha avuto” .
L’opera è più di una constatazione sulla creatività artistica, è anche una riflessione sulla realtà di Boetti. Alighiero Boetti muore per un tumore al cervello nel 1994, l’anno dopo la realizzazione di questo lavoro.
(Alighiero Boetti: Autoritratto/Fontana sul Canal Grande, 1993).
Courtesy Collezione Agata Boetti
Photocredit : SANTI CALECA

 Alighiero Boetti

Questo spazio disegnato da Michelangelo Pistoletto, per la mostra Italics, un po’ la conclusione e il simbolo di quello che la mostra ha voluto essere. Una stanza di specchi, con all’interno un cubo, un metro cubo di specchi. Tutto si specchia, lo spettatore, l’opera d’arte, lo spazio scompare. La storia scompare. Come spiega il curatore Francesco Bonami, questo è forse un po’ l’idea della mostra. I punti di vista non sono unici, e nei tantissimi specchi non sappiamo quale sia la realtà e quale il riflesso”.
È solamente attraverso il nostro sguardo, la nostra immaginazione che l’opera si completa. L’attiva partecipazione dello spettatore fa parte della strategia di Michelangelo Pistoletto. Il suo obiettivo è di sciogliere i confini tra arte e vita.
(Michelangelo Pistoletto: The cubic meter of infinity in mirroring cube, 1966-2007).
Courtesy Galleria Continua, Pechino (2008)
Photocredit : SANTI CALECA

Michelangelo Pistoletto

Il podcast mensile

Nella sezione SFMOMA Artcast ogni mese il museo presenta una serie di podcast, prodotti in collaborazione con Antenna Audio, per offrire al visitatore audio e video interviste con artisti e curatori.
L’episodio di questo mese vede come protagonista Jeff Kelley, guest curator di  Half Life of a Dream, parlare dell’exhibition che presenta opere di artisti contemporanei che tentano di riconciliare i loro sogni individuali con quello collettivo del comunismo di Mao.

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a cura di Antenna Audio

Una giornata di sole sugli argini della Senna, uno dei temi preferiti della pittura impressionista. In questo dipinto, si nota come gli impressionisti analizzavano la luce solare, e la traducevano in una vasta gamma di colori vivi. (Caillebotte, Biancheria stesa ad asciugare sulla riva della Senna 1892 ca. Per gentile concessione dell’ufficio stampa di Palazzo Strozzi).

Caillebotte Biancheria stesa ad asciugare sulla riva della Senna

Un mazzo di asparagi dipinto da Édouard Manet, un pioniere del nuovo approccio della pittura impressionista. Le larghe pennellate di colore rivelano l’approccio immediato e spontaneo di Manet. (Edouard Manet, Mazzo di asparagi, 1880. Per gentile concessione dell’ufficio stampa di Palazzo Strozzi).

Edouard Manet, Mazzo di asparagi

Il podcast mensile
Il podcast mensile della National Gallery conduce il lettore dietro le quinte del museo, fornendo informazioni su mostre ed eventi attuali e futuri, e offrendo la possibilità di ascoltare interviste esclusive ed inserti speciali.
Nel podcast di luglio si possono scoprire le tecniche del Divisionismo: Gayna Pelham ci mostra come gli artisti creano arazzi luminosi da sprazzi di colori complementari;
Louise Govier e Keith Cavers illustrano la ‘pittura “più gaia”nella Galleria’, attraverso la ricerca di rappresentazioni dell’omosessualità nell’arte; Jennifer Till, invece, esplorando il rapporto tra danza e arte, spiega come gli Old Masters impartiscono ai ballerini lezioni di posa.
E inoltre, un estratto dall’audio guida per la mostra Radical Light: Italy’s Divisionist Painters 1891-1910, su “Riflessioni di un affamato / Contrasti sociali” di Longoni.

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a cura di Antenna Audio