Intervista a Francesca Duimich – Presidente della Confesercenti guide turistiche (Federagit Roma)

Il 10 e il 16 dicembre le guide turistiche italiane hanno manifestato contro il pericolo imminente che il governo modifichi la legislazione vigente nel settore istituendo una figura professionale della guida nazionale che sostituirà la guida provinciale. Sarebbe un adeguamento a recenti normative europee, nello specifico alla direttiva 2066/123/CE. Perché non siete d’accordo e qual è la proposta?
Nella direttiva europea 123 (la cosiddetta Bolkenstein) un articolo afferma che tutte le autorizzazioni devono avere validità nazionale. Ma è già stato dimostrato che la nostra professione non ricade sotto il regime delle “autorizzazioni” ma delle “abilitazioni professionali”. Noi ricadiamo sotto la direttiva 36 che riguarda le professioni ed è già stata recepita dall’Italia. La direttiva 36 ha regolamentato due diritti europei: il primo è il diritto di stabilimento, che consente ad una guida turistica europea di potersi stabilire in un altro Paese membro. L’Europa riconosce che la guida turistica è una professione caratterizzata da una specificità territoriale; si prevede quindi per la guida un’integrazione della formazione. L’altro diritto che la 36 riconosce è quello della prestazione temporanea. La 123 fa salve le misure della direttiva 36 sulle professioni, che non avevano abolito la competenza territoriale.
In un  paese come l’Albania o come l’Irlanda è forse possibile lo status di guida nazionale, ma in un Paese come l’Italia non è pensabile. Un recente censimento dei beni culturali ne ha enumerati oltre 200mila. In alcune Province, come quella di Roma per esempio, non basta una vita intera per conoscere compiutamente tutto il patrimonio culturale esistente. Estendere la competenza da provinciale a nazionale significa permettere che una guida turistica fornisca un servizio di scarsa qualità, che non sappia rispondere a molte domande, che la prestazione, da specializzata diventi generica. È per questo che ci opponiamo.
La direttiva 123 inoltre fa salvi quelli che sono chiamati “motivi imperativi di interesse generale”. Una sentenza della Corte di Giustizia europea del 1991 include tra questi “motivi” la valorizzazione del patrimonio nazionale storico e la corretta divulgazione delle conoscenze sul patrimonio artistico e culturale. Nella direttiva 123 sono anche salvaguardati principi quali la promozione delle diversità culturali regionali e la tutela dei consumatori, varie volte ripetuto e sottolineato. La direttiva prevede che alcune professioni presentino delle specificità. 
L’Europa, tramite il C.E.N. (Comitato Europeo di Normalizzazione) ha definito la professione di guida come avente caratteristiche territoriali. Vari atti europei riconoscono come diverse le professioni della guida e dell’accompagnatore. L’accompagnatore viaggia insieme al gruppo, ha  una formazione professionale che comprende competenze di tecniche turistiche, non gli è riconosciuta la competenza territoriale. 

Ci sono già stati tavoli tecnici con il ministro Brambilla o con Ronchi, per la discussione delle vostre motivazioni?
Nonostante numerose lettere inviate alla loro attenzione, non siamo stati mai ricevuti dai Ministri. Abbiamo avuto un incontro con  il vice capo gabinetto del Dipartimento Turismo, in settembre.  Solo con l’inizio della mobilitazione, c’è stato un orecchio più attento. E’ stato aperto un tavolo tecnico di confronto e il 22 dicembre siamo stai ricevuti dai funzionari del Dipartimento Turismo.

Entro quanto dovrebbe essere recepita in Italia la direttiva 123?
Dovrebbe esserlo entro il 28 dicembre, ma probabilmente il decreto legislativo di recepimento slitterà un poco. Siamo riusciti ad ottenere che nel decreto legislativo di recepimento della Direttiva 123 non sia scritto nulla sulle guide turistiche.
E’ stato presentato alla Camera dall’On. Fabio Granata un disegno di legge di riordino della professione, in cui ci riconosciamo.
Il Dipartimento Turismo ha deciso di avviare in tempi brevi il riordino della legge sulle professioni turistiche, non solo quella di guida. Abbiamo ricevuto garanzia che questo avverrà consultando le associazioni e i sindacati di categoria maggiormente rappresentativi a livello nazionale. I contenuti di tale legge di riordino sono tutti da stabilire. Noi siamo convinti che il diritto europeo non richiede cambiamenti sostanziali dell’ordinamento giuridico italiano in materia. Ma il Dipartimento delle Politiche Comunitarie afferma che l’Europa richiede delimitazioni diverse delle competenze territoriali delle guide. Il confronto è aperto.

Pensa ci siano dei motivi che possano generare una pressione dall’esterno affinché il recepimento della 123 possa indurre questo ordine di difficoltà per le guide turistiche?
I grandi Tour Operator europei, le grandi multinazionali del turismo, con le loro associazioni di categoria, dal 1986 premono sulle istituzioni europee ed italiane per far effettuare tutte le visite guidate non dalle guide, ma dai loro capo-gruppo di passaggio, non lasciando quindi alcun beneficio alle comunità locali, né versamenti fiscali o previdenziali. I Beni Culturali dell’Italia devono costituire una risorsa per il nostro paese.

Per capire l’ordine di grandezza dell’impatto sui lavoratori del settore in Italia, quante sono le guide turistiche nel nostro Paese?
Nel 2007, a seguito della legge 40 Bersani, è stato reso più facile l’accesso alla professione. Prima della Bersani eravamo circa 10mila. In questi due anni sono stati rilasciati molti nuovi tesserini. Posso stimare che siamo 15mila. Il rilascio del tesserino non garantisce tuttavia l’inserimento nel mondo del lavoro.

Quale percorso di formazione professionale è necessario per accedere alla professione?
Il percorso varia da regione a regione. Per lo più è previsto un esame di abilitazione provinciale. Alcune regioni hanno previsto un corso preparatorio all’esame, come in Toscana.
L’Europa, tramite il C.E.N., ha approvato nel 2008 uno Standard minimo di formazione delle guide turistiche (EN 15565 – 2008). Alla formazione concorrono numerose materie: una guida deve sapere illustrare il territorio di esercizio nei suoi molteplici aspetti che includono la storia, la storia dell’arte, l’archeologia, l’architettura, il paesaggio, le istituzioni sociali e politiche del paese visitato e tutte le manifestazioni che contribuiscono a formare l’identità culturale di un territorio. Il C.E.N. riconosce importanza alle tecniche di comunicazione, alla gestione dei gruppi, alle tematiche interculturali. In aggiunta alle conoscenze teoriche, largo spazio è dato al training tecnico-pratico. Il C.E.N. prevede, al fine di “creare comprensione reciproca”, una padronanza fluente e non meramente scolastica di almeno una lingua straniera.
La suddetta proposta di legge presentata dall’On. Granata recepisce tale Standard europeo.  Si  prevede la laurea in materie umanistiche come prerequisito. E’ previsto un esame di abilitazione, a seguito di un corso specifico sul patrimonio culturale del territorio dove si intende lavorare.
Il pubblico è molto vario ed esigente in termini di qualità, il 40 per cento delle visite guidate è richiesto da scuole e università. Già ora le guide attualmente abilitate sono quasi tutte laureate.

Praticando la professione, le guide turistiche sono dipendenti o liberi professionisti?
Siamo dei lavoratori autonomi, con partita Iva. Solo in rarissimi casi ci sono delle guide dipendenti. Il lavoro è precario, stagionale, privo di copertura in caso di malattia o infortunio. Per legge si devono versare contributi INPS. La pensione poi è proporzionale alle somme versate e spesso è molto bassa.
Quale futuro per il turismo secondo la percezione di un operatore del settore?
Nonostante la crisi dell’anno, c’è stata una certa ripresa a settembre e ottobre. La situazione sembra rimettersi in movimento. Un nodo cruciale è legato alla formazione, non solo degli operatori, ma anche degli amministratori. A lungo non è stata data importanza alla competenza specifica che occorre a chi prende decisioni in materia di turismo. Ormai il turismo è riconosciuto come un settore di attività fondamentale nel nostro paese. Per fornire servizi di qualità, è necessaria maggiore qualificazione a tutti i livelli, non meno.

La mostra Animals – Contemporary Visions, di cui lei è curatrice, ha preso il via il 17 ottobre a Grugliasco (TO). Non si tratta della “solita” mostra per un mix ben costruito di fattori. Artisti internazionali, coinvolgimento di attori del territorio e partner internazionali di gran livello, e festeggiamenti per il bicentenario della nascita di Darwin. Partiamo dall’origine: aspetti artistici e organizzativi. Ci può parlare della genesi della mostra e dei suoi protagonisti? Quale dei fattori citati è il più rilevante secondo lei?
Realizzare una mostra è ogni volta una sfida esaltante ed una grande responsabilità. Innanzitutto credo sia importante individuare un tema, più o meno ampio, che non deve essere una gabbia rigida ma piuttosto una traccia, una guida da non perdere mai di vista durante tutte le fasi di preparazione, dalla selezione degli artisti alla scelta dell’allestimento. Contrariamente a quanto si possa pensare, la fase comunque più delicata non è decidere quali artisti invitare ma piuttosto scegliere le opere da esporre. Questo richiede molto tempo e soprattutto una conoscenza diretta dell’artista, aspetto della mia professione che mi piace davvero molto. Visitare gli studi è un po’ come entrare nella lanterna magica. Da non sottovalutare è poi l’allestimento, prediligo uno stile minimalista senza rinunciare a tutti quegli accorgimenti che possono concorre alla spettacolarizzazione dell’opera senza snaturarne lo spirito, penso in particolare ad un buon uso delle luci.
Mi capita a volte che una mostra nasca anche da un incontro. Ho la fortuna di conoscere importanti artisti del panorama internazionale che sono una fonte continua e inesauribile di spunti ed idee. Una delle prime grandi mostre che curai fu “Manufactured in the UK” nel 2003 la quale nacque da un incontro con il noto scultore inglese Phillip King.
Credo che l’arte non debba avere barriere ne steccati, è davvero elettrizzante poter contattare artisti da tutto il mondo e condividere con loro l’entusiasmo attorno ad un progetto espositivo. E’ovvio che per poter supportare un evento che prevede il coinvolgimento di artisti di alto profilo e l’arrivo di opere da molto lontano richiede l’appoggio di un’organizzazione efficiente e della collaborazione di partners, anche finanziari, significativi.

Ci fornisca qualche spunto sugli aspetti artistici della mostra. La rappresentazione artistica del mondo animale e quello umano e la loro contrapposizione. Come viene interpretato dagli artisti?
L’uomo fin dalle sue origine ha sentito il bisogno di rappresentare gli animali, suoi simili ma dissimili. L’approccio dell’artista odierno non è poi molto diverso da quello dei nostri progenitori, risponde ad un bisogno ancestrale con una differenza importante, l’animale e la sua rappresentazione non sono più il fine ma il mezzo per infondere sensazioni o diffondere messaggi. Gli artisti in mostra, attraverso le loro opere, suggeriscono e interpretano situazioni sociali, testimoniano e codificano la realtà contemporanea, a volte in chiave ludica ed immaginaria (Cracking  Art Group, David Mach, Arnold Mario dall’O, Derek Curtis, Hannah Dougherty) a volte in chiave magica e onirica (Nicola Hicks, Zadok Ben David, Pepe Fotografia) ovvero più naturalistica (Alana  Lake, Kate Groobey). E’ una vera e propria ridefinizione del rapporto tra uomo e animale attraverso l’abbattimento dei confini tra reale e fantastico.

Conferisce valore aggiunto alle iniziative dell’associazione, l’essere parte del circuito Contemporary Art Torino Piemonte. Ci può raccontare come si entra a far parte di tale network e qual vantaggio può avere una associazione o un ente?
Certamente essere all’interno di un circuito aiuta sempre, in particolare per quanto riguarda la diffusione e la promozione dell’evento. Nel nostro caso è ancora più importante poiché Contemporary Arts Torino è un circuito virtuoso che inserisce accuratamente le attività da promuovere secondo precisi canoni di qualità. Contemporary Art Torino Piemonte è promosso dalla Città di Torino, dalla Regione Piemonte e dalla Provincia di Torino e raccoglie in un unico calendario iniziative finalizzate alla promozione e alla valorizzazione delle arti contemporanee nell’ambito delle arti visive, la musica, il teatro, il cinema e il design, offrendo così a cittadini e turisti una proposta coordinata e qualitativamente garantita. Martin è entrata in questo circuito grazie alla consolidata collaborazione con la Regione Piemonte e con prestigi partners internazionali quali la Royal Academy of Arts ed il Royal college of Arts di Londra, il Goldsmith College di Londra, la University of Leeds e la RBSS – Royal British Society of Sculptores.

La Martini Arte Internazionale è un’associazione fondata nel 2000 con lo scopo di promuovere e sostenere l’arte contemporanea, favorendo l’interscambio culturale. Nel  2008 è iniziato il programma di residenzialità d’artista a Cavagnolo. Come ha funzionato la residenza? Quali finanziamenti?
Il progetto artist in residence è una nuova attività della quale la Martin – Martini Arte Internazionale mi ha chiesto di occuparmi. Abbiamo iniziato lo scorso anno ospitando per un mese la pittrice svedese Ann Caroline nello splendido ex asilo Martini di Cavagnolo, un elegante edificio di fine ottocento con un bel parco, tutto recentemente ristrutturato e posto tra le dolci colline del Basso Monferrato. E’ stata un’esperienza molto interessante, in particolare è curioso dal mio punto di vista constatare come l’ambiente influisca sull’artista e sulla sua produzione. In tutte le opere (quadri e collage) che Ann Caroline ha realizzato durante la sua permanenza sono ravvisabili suggestioni ed influenze del territorio circostante. Per quanto riguarda i finanziamenti, sebbene non me ne occupi personalmente, posso dire che la prima edizione è stata finanziata dalla Martin – Martini Arte Internazionale con risorse proprie. La prossima edizione si terrà nella primavera del 2010 e nell’occasione saranno ospitati due giovani e talentuosi artisti, Dan Davis (USA) e James Jessop (UK). In generale l’attività di martin – martini arte internazionale è sostenuta dalla Regione Piemonte, dalla Provincia di Torino e dalla Fondazione CRT a cui vanno aggiunti alcuni sponsors privati tra cui Shopville Le GRU e DILUETTO Srl che da anni non fanno mancare il loro prezioso contributo.

Ha citato la Royal Academy School of Art di Londra.  Come è entrata nel progetto?
La Martin collabora ormai da molti anni con la Royal Academy of Art di Londra. Come spesso accade questa partnership nasce da rapporti personali di lunga data e si è consolidata sulla base di una progettualità concreta e di una fattiva collaborazione.

Parliamo di arte e territorio. Interessante la collaborazione con il Parco Culturale Le Serre. Si tratta di una società pubblica, il cui unico socio è il Comune di Grugliasco (società in house), che ha il compito di operare nell’ambito dei servizi culturali orientati alla persona, con lo scopo di promuovere la cultura e gestire servizi in collaborazione con enti e associazioni operanti nel territorio.  Inoltre le vostre iniziative di arte pubblica…
Martin ha avviato un progetto di valorizzazione del Parco Culturale Le Serre nel lontano 2003 e dal 2005 cura progetti di riqualificazione urbana attraverso l’inserimento di opere d’arte  pubblica nel tessuto cittadino (significativo il monumento dedicato ai 66 martiri di Grugliasco realizzato dallo scultore inglese Rob Ward nel 2008 e il progetto Costellazioni d’artista commissionato dal Comune di Cercenasco nel cui centro storico sono stati inseriti chiusini realizzati da artisti di fama internazionale). I monumenti sono segni, tracce del modo di vivere e di concepire sia l’arte sia la vita quotidiana, testimonianze del trascorrere del tempo, identità di cultura che da individuale si fa comunitaria. L’arte contemporanea, sinonimo di rinnovamento e di crescita, può rappresentare un forte stimolo all’innovazione ed alla modernità. Il parco de Le Serre ed in particolare l’edificio denominato “nave”, attuale spazio espositivo della martin, è un luogo naturalmente deputato ad ospitare l’arte contemporanea, una cornice davvero suggestiva ed unica nella quale accogliere eventi di grande respiro internazionale. Per quanto riguarda il parco, la gestione è affidata alla società pubblica Le Serre il cui unico socio è il Comune di Grugliasco, nata nel 1991 con il compito di operare nell’ambito dei servizi culturali orientati alla persona, di promuovere la cultura e gestire servizi in collaborazione con enti e associazioni operanti nel territorio.

Intervista  a Giuseppe Ferrazza – Commissario Straordinario del Teatro Carlo Felice di Genova e presidente ETI

La incontriamo principalmente in qualità di Commissario straordinario del teatro Carlo Felice di Genova, ma non possiamo trascurare le sue esperienze nella ricerca e studio nel settore dello Spettacolo e in qualità di presidente attuale dell’ETI. Fatta questa premessa partiremmo dalla sua carica più dibattuta.

È dall’estate 2008 il commissario straordinario del teatro lirico genovese. Una richiesta  partita dagli stessi enti locali soci fondatori della fondazione. Ora il suo mandato è stato rinnovato tra numerose polemiche. Evitando assolutamente politicismi, ci racconta in sintesi il suo lavoro a partire dallo scorso anno? Quale è stato il motivo del commissariamento e cosa è cambiato?
Il teatro Carlo Felice fu commissariato per vari motivi: principalmente per una litigiosità interna che non permetteva l’ordinario svolgimento delle attività artistiche, in primis gli scioperi continui. C’era necessità di un pugno forte, scacciando anche il tarlo della politica, che invece rientra puramente in un discorso di consenso. Poi sono intervenuti altri fattori. Primo in testa, il caso dei fondi pensione, accesa proprio a ridosso del mio commissariamento. Una situazione che ha fatto rischiare la chiusura della fondazione teatro, considerando le cause pendenti, per un debito sull’anno 2008 di oltre 10 milioni di euro. L’operazione che abbiamo condotto con grande fatica e con l’aiuto indispensabile degli enti locali, è consistita nell’avviamento di un tipo di transazione e di accordo con gli aventi diritto al fondo (ndr. Fondo di previdenza integrativa a favore dell’Ente Autonomo Teatro dell’Opera di Genova) per transare sulla base di 6 milioni di euro. Abbiamo così raccolto l’adesione definitiva del 97% degli aventi diritto al risarcimento. Soluzione che a nostro avviso significa una conclusione di questo capitolo. Sulla base di questo accordo, comune e regione dovrebbero versare alla fondazione i 6 milioni di euro che a nostra volta verseremo al fondo, per consentire la ripartizione. A questo aggiungiamo che, al momento del mio arrivo, c’era una programmazione già stabilita (per la stagione 2008/09) che portava, per un’attività fino a giugno, una “scopertura” pari a 5milioni e 700 mila euro.   Aggiungendola ai tagli la situazione si è rivelata critica.
Poi la situazione del Carlo Felice è molto particolare. Fino al 1990 operava al teatro Margherita, con personale molto ridotto e non a tempo pieno. Quando allora vigeva la consuetudine di una ripartizione dei fondi statali secondo le medie storiche, il Carlo Felice è stato sempre sacrificato. A riapertura del teatro, (più grandi dimensioni e struttura, con 2100 posti quasi come La Scala) la gestione è diventata complicata, richiedendo investimenti massicci, che non sono mai arrivati, avendo sempre vissuto con contributi straordinari.
Negli ultimi anni 2007-2008 è stato erogato un fondo straordinario proveniente dalle ex colombiane, pari a 10 milioni di euro che è venuto  a mancare sul bilancio 2009. Considerando quindi tagli e contributi straordinari mancanti, pari a circa 7 milioni di euro, rispetto all’anno precedente, è derivata una programmazione senza appoggio finanziario.
Fatto il quadro, le strade da percorrere sono state due: o far indebitare il teatro – e credo che un commissario non possa farlo -, o rivedere tutti i modelli produttivi e rinegoziare a ribasso tutti i contratti esistenti. Cosa che è stata fatta, facendo slittare alcune opere, non mutando però il numero delle recite. Ricorrendo chiaramente anche a produzioni a basso costo, operando verso la strada del ricambio generazionale, con una risposta del pubblico oltretutto ottima. Siamo arrivati al tutto esaurito, come per il Rigoletto, ora in teatro.
La cosa che sta dando molta soddisfazione è l’affluenza di un pubblico giovane – circa 7mila giovani nell’anno – grazie anche ad un lavoro con le scuole, in accordo con i presidi, recuperando la funzione sociale che i teatri pubblici dovrebbero avere. La difficoltà della gestione dipende sicuramente dalla disponibilità economica consistente, che però è la città che deve fornire, tra enti locali e pubblico. Io ho il compito di riconsegnare un teatro ricondotto alla normalità.

Il motivo della decisione del rinnovo del commissariamento di qualche giorno fa?
Come era logico, ho presentato una relazione al dirigente dello dipartimento dello Spettacolo del MiBAC. Il bilancio 2008 aveva 10 milioni di deficit, e faticosamente stiamo cercando il pareggio nel 2009. Ora, facendo una proiezione delle risorse finanziare, nel 2010 possiamo pagare gli stipendi ma non abbiamo le risorse per pagare extra. L’attività va basata su incassi, entrate particolari, e su una programmazione impostata all’economicità.
Poi il ministro, sulla base di una relazione che gli è stata presentata dalla commissione generale dello spettacolo, ha deciso di prorogare il commissariamento. La decisione è spettata al ministero.
A mio avviso comunque non c’erano estremi alcuni perché il teatro tornasse alla normalità.

Allo stato attuale quale finanziamenti riceve il teatro?
Il Comune  2 milioni e 600mila, la Regione 1 milione, e la  Provincia 100mila euro. Poi i fondi statali e i privati per un totale di 15 milioni. Purtroppo anche i privati hanno diminuito l’impegno finanziario.  Il dato inconfutabile è che a minor flusso del pubblico segue minor flusso di finanziamenti privati. Aggiungiamo la crisi economica e la situazione particolare della città di Genova, con un calo demografico spaventoso, che  negli ultimi dieci anni ha perso circa il 30% degli abitanti. E la crisi economia abbattutasi sulla città con la scomparsa delle grandi aziende di stato.
E aggiungerei che, purtroppo – e vale per tutte le fondazioni -, la cattiva nomea delle fondazioni liriche non agevola i privati ad intervenire.

A proposito di fondazioni liriche. Bondi ha annunciato a breve una riforma. Che ne pensa?
Bondi stesso, tempo fa,  ha espresso la necessità della riforma, pena la chiusura di numerose fondazioni liriche.  Io farei una precisazione: è in corso la discussione di un decreto legge, per risolvere problemi “di vita o di morte”, considerando i tempi lunghi della legislatura italiana, ci vorrebbe troppo tempo per una riforma.
Elemento fondamentale sono i contratti di lavoro, per non consentire più dispendi di energie e risorse enormi (che in molti casi non sono neanche contratti formali ma consuetudini). Inoltre c’è l’altro aspetto produttivo, che non tutti possono permettersi economicamente di mandare in scena le stesse opere. A fronte di minori risorse non si può pretendere pari programmazione.
Sono convinto che il problema non è dello Stato. La differenza la fanno, e devono farla, gli enti locali. La soluzione è cambiare, e offrire qualcosa di nuovo. Cosa che porterebbe anche un vento di novità. Faccio un esempio assurdo. In Emilia Romagna mettono in scena la stessa opera in tre teatri diversi e molto vicini, anche con produzioni diverse e conseguenti spese sostanziose. Queste sono scelte non condivisibili, che però dipendono molto dagli enti locali. Spesso accade che per consenso esigano una particolare programmazione. Pensando ad una ipotetica riforma Bondi, lo Stato dovrebbe intervenire sulla base di una pianta organica uguale per tutti e del contratto collettivo nazionale. Unica differenza la farebbe la presenza del corpo di ballo. Le differenze vere le fanno gli enti locali. Contratto intergrativo, numeri di recite, livelli produttivi: tutto riguarda gli enti locali. Non capisco perché un cittadino di Cosenza debba pagare il biglietto agli spettatori della Scala.

Un po’ di federalismo nella cultura? In fondo anche gli enti locali sono lo Stato. Si tratta solo di una diversa ripartizione..
Sono convito che il federalismo agevoli il sud e non il nord, prima di tutto, e che lo Stato centrale si deve occupare delle infrastrutture. Il controllo del territorio invece è nelle mani dell’ente locale che si assume la responsabilità di dare fondi ad un teatro e non ad un altro. Sono scelte legate alle politiche locali, non riguardano lo Stato. E credo che il teatro della Basilicata spenda anche meno soldi per mantenersi, e sia tutto proporzionato.

A proposito della riforma delle fondazioni liriche annunciata dal ministro Bondi a breve, le chiedo una riflessione su cosa è cambiato dalla riforma Veltroni, che ha trasformato i teatri lirici in fondazioni.
Niente. L’ingresso dei privati non è avvenuto come sperato, o meglio, inizialmente sono entrati ora si stanno ritraendo. Nulla è cambiato nei rapporti di lavoro, né nella gestione. Io vedevo molto più giusta la riforma Dini, del ‘94, che costringeva il privato ad entrare per evitare la chiusura del teatro.

 
Chi dovrebbe interagire con il privato? Il sovrintendente?
È l’ente locale che cattura i privati. Il sovrintendente non è una figura professionale adatta alla ricerca di fondi. Finmeccanica nel Carlo Felice è entrata grazie all’intervento degli Enti locali, non  per l’uomo del teatro.
Il privato non investe nella cultura italiana perché è il modello che è sbagliato. Adesso decide lo Stato, il privato mette i soldi. Il caso del Metropolitan di New York è esemplare. I privati lo hanno  chiuso per un anno e lo hanno riaperto, per loro volontà, cambiando però la gestione.
In Italia c’è troppo statalismo, lo Stato non può occuparsi di tutto.

Tornando al Carlo Felice.  Appena rinnovato il commissariamento è scoppiata una polemica che riguarda i suoi collaboratori. Il direttore artistico Cristina Ferrari è stata sostituita. Prima la proposta di Giorgio Battistelli (che ha rinunciato), poi si è fatto il nome di Vincenzo De Vivo. Perché la scelta di cambiare? Guidata da obiettivi di gestione o di malfunzionamento nella gestione precedente?
Preciso che è stata una scelta di non rinnovare il contratto, non è stata mandata via. Secondo era necessaria una professionalità diversa, secondo la mia visione del teatro Carlo Felice. Tra l’altro ho ingaggiato un consulente artistico e non un direttore, con un risparmio assoluto. La rinuncia di Battistelli è stata una grossa perdita per Genova, ma De Vivo è una professionalità  altrettanto all’altezza del compito. Vorrei sottolineare una cosa però: le mie scelte non sono state dettate da nessuna indicazione politica. In un anno ho agito sempre libero da pressione, sempre e solo liberamente, né del governo né degli enti locali. E comunque è bene precisare che il commissariamento finirà solo quando ci saranno le condizioni per ripristinare un Cda. Le condizioni sono: chiudere bilancio consultivo in pareggio, risolvere il problema del fondo, e trovare risorse finanziarie per il 2010. La normalità è questa.

Parliamo del futuro del Carlo Felice. Quali scelte sono state operate? Ci dia qualche anticipazione sulla stagione…
L’obiettivo è farlo funzionare a pieno regime. Un teatro di 2100 posti per 600mila abitanti che va riconsegnato alla città. Per prima cosa,  pubblici diversi e non ricorrere sempre al pubblico tradizionale, facendo ritornare l’opera uno spettacolo popolare. Noi cerchiamo di farlo a partire dal Carlo Felice. Secondo, dobbiamo ricorrere al repertorio. Stiamo valutando una serie di titoli, fatti a debita distanza di tempo qui a Genova. Inoltre bisogna fare molte valutazioni sugli allestimenti: il teatro non ha un laboratorio scenotecnico e, quindi, non può costruire in proprio le scenografie e si deve ricorrere agli allestimenti giacenti in altri teatri. Proprio per questo ho chiamato anche un nuovo direttore agli allestimenti scenici. L’architetto Stefano Pace è stato scelto non solo perché ha un curriculum invidiabile per le numerose esperienze in Francia, fino all’ultima al teatro di Calatrava di Valencia, ma anche perché è una professionalità che ci consente di individuare molte scenografie che possono fare al nostro caso.
Infine, la proposta di un cambio generazionale. Forse c’è bisogno di aprire il mercato, anche per un ricambio generazionale del pubblico.
Per la stagione artistica, la mia idea è la contaminazione di generi e di pubblico, ma che rimanga teatro musicale, non altro. Stavamo pensando di proporre la prima e l’ultima Tosca, la prima di Puccini e l’ultima di Dalla, magari a giorni alterni. Ho appena chiesto a Piovani l’Orchestrazione per grande orchestra  della sua Concha Bonita. Stiamo ragionando su una coproduzione con il San Carlo di Napoli dell’Opera da tre soldi di Massimo Ranieri, e quasi certamente ospiteremo il Flauto Magico visto dall’Orchestra di Piazza Vittorio. Tutto questo non in sostituzione, ma in più, per far sì che il teatro sia aperto il più possibile, che si rivolga a fasce di pubblico più o meno eterogenee. Per fare questo penso anche ad operazioni di co-marketing con altri teatri. A mio avviso è un modo per far vivere il teatro di più spendendo poco, e come mi auguro a costo quasi a zero. 
Vorremmo fare Lucia di Lammermoor, Simon Boccanegra, titoli compatibili con nostri mezzi e allestimenti in programmazione. Il prossimo anno faranno tutti il Nabucco per i 150 anni dell’Unità di Italia? Noi pensavamo di farlo prima, un anno prima.
Cerchiamo inoltre di lavorare in regime di economicità, perché siamo arrivati ad alcuni eccessi. Ci sono registi strapagati per un mese di lavoro. Oppure sarebbero utili le coproduzioni, ma che siano reali. Una scelta comune e non banale rapporto finanziario, con una condivisione di spese.
Le produzione devono essere pensate prima ed insieme, considerando che agiamo su palcoscenici completamente diversi. Altrimenti uno fa la produzione e poi la noleggia.
Inoltre le scelte non dovrebbero ruotare in base alla disponibilità del tal cantante ma in base alle scelte artistiche, anche sperimentando il lavoro di professionisti sconosciuti.

 Il discorso del ricambio generazionale è molto interessante. Ma la sensibilità del pubblico giovane non dipende solo dalla programmazione del singolo teatro…
Invece no, è assolutamente così. Se i soldi dei teatri spesi in cachet venissero spesi in formazione del pubblico, le sale sarebbero piene. Le faccio l’esempio della rassegna  del teatro di prosa in italiano a Berlino, che sta per iniziare. Provi a fare una cosa del genere in Italia! Qui nessuno fa formazione perché è più facile proporre un cartellone con nomi altisonanti per attratte pubblico. Infatti, essendoci fondi pubblici, si paga profumatamente gli artisti anche in maniera ingiustificata. Si predilige la cultura dell’evento a quella di lungo periodo.
Sa qual è la differenza tra Roma e Berlino? Tre milioni di abitanti entrambe, solo che nella capitale tedesca il pubblico è di 2 milioni di persone, a Roma di 100 mila. È chiaro che dovremmo prevedere delle politiche culturali, ma se ogni teatro operasse scelte di formazione del pubblico qualcosa inizierebbe a cambiare e qualche piccolo risultato lo otterremmo.
Faccio l’esempio di Roma, perché la conosco bene. Roma è una città che ospita la cultura ma che non la produce. Quali sono i soggetti che producono cultura a Roma? L’Auditorium la ospita, è utile certo, ma occorre dare spazio agli artisti che operano nella città attraverso la propria Istituzione culturale.
I teatri sono pieni da noi solo quando si propone un evento, che spesso è “televisivo”. E purtroppo una buona mano la danno gli enti locali che scelgono di strapagare spettacoli teatrali che non hanno niente a che fare con la cultura.

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Partiamo dall’idea. Un percorso che parte dal museo, percorre le strade e arriva nel privato delle case? Quando e come è nata l’idea del progetto 1 H art?
L’idea di 1hart nasce da una profonda riflessione sui problemi di fruizione dell’arte contemporanea e non. Vari studi, a ridosso tra l’arte, l’economia e le neuroscienze, hanno cercato di scoprire e stabilire quali sono i parametri attraverso cui e secondo i quali rivolgiamo la nostra attenzione verso una cosa, un oggetto piuttosto che ad un altro.
Si sono riscontrate, così, più e più volte difficoltà dovute ad uno scarso senso di appartenenza nei confronti di certi ambiti, avvertito dal pubblico generico.
La nostra è così diventata una sfida ma allo stesso tempo un progetto di promozione per avvicinare il pubblico all’arte abbattendo una serie di ostacoli. E perché no, proprio all’arte contemporanea interpretata come più ostica ed insensata. Riteniamo che l’arte contemporanea, soprattutto quella dei nostri giorni, sia un’ arte relazionale un’ arte comunicativa e per questo molto più vicina al nostro pubblico.

La ricerca degli artisti coinvolti come è avvenuta (anche a livello internazionale)? Ci sono criteri di selezione da parte di voi curatrici? È ancora aperta la selezione?
L’adesione degli artisti al progetto 1 h art è arrivata in seguito a una open call, diffusa tramite i canali ormai consolidati quali mail, social network e siti internet dedicati all’arte contemporanea. Le richieste sono state moltissime, anche grazie a un consistente uso del passaparola tra gli stessi partecipanti, ma non tutte sono state accolte. Abbiamo dovuto selezionare il materiale giuntoci, in base non solo al nostro gusto, ma soprattutto al  possibile impatto che i progetti avrebbero potuto avere sul pubblico. Abbiamo cercato di privilegiare proposte in grado, a nostro avviso, di creare un contatto intimo e diretto, comunicativo e critico  con il fruitore.

L’“offerta artistica” è variegata: performance, video arte, lecture, presentazione portfolio, installazione, wall painting, workshop, ecc. Si va dalla resistenza creativa  dello Stupidity Removal Service di Giuditta Nelli alla Bussola delle emozioni di Elena Arzuffi. Il concetto di arte per voi è…
V.C. L’arte è libera espressione, è contatto e rapporto. Nel nostro progetto gli stili, le tecniche, i mezzi ed i metodi del fare arte sono secondari: l’importante è arrivare al pubblico, è trasmettere.
Non cerchiamo di istruirli ma di solleticarli attraverso arte fresca ed innovativa.

A.S. L’arte è la capacità dell’uomo di creare nuove chiavi di lettura con le quali interpretare il mondo e la contemporaneità, di aprire nuove strade o di modificare quelle esistenti, di dar vita, attraverso la visione, il senso, la relazione e il contatto, a nuove molteplici e possibili realtà.
I progetti che abbiamo scelto sono molto diversi tra loro, come diversi sono i mezzi che ciascun artista ha scelto di utilizzare: il lavoro di Giuditta Nelli, si propone di convertire ciò che comunemente è identificato come segno di stupidità in un’operazione artistica; Anna Maria Tina, invita il fruitore della sua ora d’arte a creare nuove unità di misura con cui rapportarsi alla propria casa; Luigi Negro, con Giancarlo Norese e Luigi Presicce, andrà di casa in casa portando  avanti un’indagine emotiva, fatta di racconti, piccole azioni, foto e ricordi; Rita Canarezza e Pier Paolo Coro si faranno invitare da parrucchiere e barbieri, ascoltando e registrando storie tra lacca e schiuma da barba. Questi e molti altri artisti lavorano per investire di nuova luce luoghi, fisici e dell’anima, gesti, rituali, e strutture mentali, rivelando e comunicando al pubblico nuovi possibili modi di avvicinarsi all’arte e, perchè no, alla vita… in fondo, non sono poi così distanti.

“1 h art cerca di stabilire rapporti più stretti e di sollecitare attraverso vari canali il sostegno privato. La gente comune (famiglie, dipendenti statali, studenti…) potrà così diventare parte integrante di questo congegno, richiedendo un semplice servizio a domicilio. In questo modo 1 h art crea un sistema aperto, fatto di generazione e ridefinizione continua”. Ci spiegate in che modalità pensate che questo “incontro” possa contribuire a costruire “nuova arte e nuova condivisione”?
Crediamo che l’arte si crei negli occhi di chi la guarda, nelle mani di chi la tocca e nell’intimità di chi la assorbe e la interiorizza. Esiste però il rischio di un messaggio che, spesso, non è così chiaro ed immediato. Azionare un meccanismo che spinga artista e pubblico l’uno nelle braccia dell’altro può significare dare a quest’ultimo qualche strumento in più per considerare l’arte e il fare arte come uno dei tanti aspetti della propria vita. Di qui potrebbe derivare una presa di coscienza, uno stimolo ad appoggiare, promuovere, sostenere l’attività artistica. Per l’artista questa potrebbe divenire un’occasione di crescita e di apprendimento, sia sul piano artistico che su quello umano: non si tratta di una specie di tranello con il quale portare la gente comune al museo, ma di un vero e proprio incontro, di una nuova interessante conoscenza, di un atto coraggioso grazie al quale aprirsi a nuove possibilità e a nuove relazioni. E, perchè no, potrebbe diventare semplicemente qualcosa di cui parlare a cena con gli amici!

“L’arte farà qualcosa per il pubblico, il pubblico farà qualcosa per l’arte”…Si potrebbe definire 1 h art una nuova forma di volontariato? Un volontariato dell’arte che mira ad “assistere artisticamente” il fruitore occasionale?
Non parlerei proprio di volontariato, anche se allo stato delle cose non abbiamo nessuna forma di sovvenzione e quindi lavorando gratis siamo, effettivamente, dei volontari.
Ma non lo chiamerei così, siamo davvero molto lontani dal concetto di volontariato. Il nostro progetto è stato interpretato da qualcuno come la banca del tempo, ed effettivamente si avvicinerebbe più a questa tipologia di scambio che ad altro: noi diventiamo gli artifici di un meraviglioso baratto.
Inneschiamo un processo di promozione che, speriamo nel tempo, renderà i suoi frutti e porterà più visitatori anche nei contesti più istituzionalizzati.

L’iniziativa è pubblicizzata soprattutto mediante il sito web http://1hart.net/. Il sito  rappresenta certamente un canale per il “reclutamento” degli artisti e la proposta del servizio di “arte a domicilio” attraverso la presentazione delle tipologie di “ore d’arte” messe a disposizione dagli artisti. Avete pensato di rendere pubbliche anche le testimonianze dei fruitori, materiali video o fotografici delle performance artistiche? Insomma, un feedback delle esperienze… 
Inoltre, potete darci un’idea dell’esito di alcune performance e dirci quante sono state già svolte. Com’è la risposta del pubblico in termini di quantità di richieste e di grado di coinvolgimento?
Il sito è effettivamente una parte integrante del nostro progetto. Pensiamo di rendere pubblica solo una traccia degli incontri per ora, ma l’obiettivo è quello di far confluire tutto il materiale documentario raccolto nel corso di un anno in una mostra presso il project space neon>campobase di Bologna, che è uno dei nostri partner insieme a Sabot Gallery (Cluj-Napoca) e Stanica (Zilina).
I primi incontri sono sul punto di svolgersi, dopo la pausa estiva ci sono state le prime richieste e tra poco daremo inizio al meccanismo di 1 h art (stiamo già assistendo allo scambio di email tra un’artista e la sua ospitante). Arrivare a un pubblico generico non è semplice, per questo la promozione è un momento cruciale del progetto, perchè questo si realizzi in maniera autentica e capillare.

Credits Photo:
Che fine ha fatto Baby Jane?
Rita Canarezza & Pier Paolo Coro
Hairdressers project, 1997- 2009

Stupidity Removal Service
Giuditta Nelli

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www.europelowcost.com

Circa un mese fa è stato presentato presso la Camera di Commercio di Genova il progetto Eticlab, un laboratorio sperimentale che ambisce a diffondere la cultura della RSI -Responsabilità Sociale d’Impresa – nel settore delle PMI. Il progetto sembra innovativo per l’applicazione alle PMI della RSI che fino ad oggi è stata oggetto di applicazione e studio in relazione, principalmente, alle grandi imprese. Da che genere di riflessione nasce l’idea?
L’attenzione a RSI è un tema cardine di questo periodo critico, sembrando essere una delle soluzioni per le aziende per recuperare valore nel mercato. La particolarità del progetto Eticlab è, come si è detto, proprio quella di fare riferimento alle Piccole e media imprese e non tanto alle grandi aziende che spesso sono già sensibili al tema e presentano al proprio interno dlele figure professionali ad hoc per l’attuazione di pratiche di RSI.
L’idea è nata circa quattro anni fa quando la Camera di Commercio di Genova ha cominciato a volersi occupare di RSI rispetto alle PMI. Nello step iniziale si è iniziato ad intraprendere dei percorsi in termini di diffusione della cultura della RSI, a partire dall’ABC, dallo spiegare cosa significa fino fornire linee guida su come applicarla. È in questa fase che la Camera di Commercio ha affidato al CLP – Centro Ligure per la Produttività  – l’incarico di essere il motore di questa divulgazione sul territorio delle tematiche, finanziando il progetto. La stessa Commissione Europea, conscia della difficoltà di avvicinamento al tema da parte degli imprenditori che gestiscono micro, piccole e medie imprese, ha stilato un documento intitolato Responsabilità e nuove prospettive. Come aiutare le piccole imprese ad agire in modo socialmente e ambientalmente responsabile.

Prima di spiegarci nello specifico il progetto, ci racconta di cosa  si occupa il CLP e che ruolo ha avuto rispetto alla creazione del progetto Eticlab?
Il CLP – Centro Ligure per la Produttività – è l’Agenzia formativa e di servizi alle imprese della Camera di Commercio di Genova. Nel concreto svolge attività di formazione alle PMI (la cosiddetta formazione continua) su tematiche trasversali e su richiesta diretta dell’azienda. Per fare un esempio, ci occupiamo di controllo di gestione, marketing, risorse umane. Annovera anche un filone dedicato alla formazione d’impresa che offre aiuto agli aspiranti imprenditori per la realizzazione della propria idea. Quindi organizza corsi in aula ma anche seminari, incontri, ecc. In sintesi, attività di sviluppo della nuova impresa e sostegno per imprese esistenti. E poi c’è una sezione di ricerca cresciuta negli ultimi anni per offrire strumenti di competitività alle aziende del territorio. È in questa sezione che  si inserisce la fase germinale di Eticlab e il corso sulla RSI. RSI comunicata come una possibilità di far lavorare ben l’azienda e di conferire valore, sia per la Camera di Commercio che per il network. Spesso si genera confusione rispetto al significato di Responsabilità sociale d’Impresa. Non significa certamente “fare beneficienza” ma significa soprattutto lavorare bene, in maniera etica, rispetto ai nostri stakeholder. Per definirla in maiera più precisa le segnalerei una definizione della Commissione Europea secondo la quale “essere socialmente responsabili significa non solo soddisfare pienamente gli obblighi giuridici applicabili, ma anche andare al di là investendo “di più” nel capitale umano, nell’ambiente e nei rapporti con le altre parti interessate”. La Camera di Commercio ha voluto muoversi in questa direzione e il CLP, che lavora molto mediante la formazione “finanziata”, a seconda dei bandi, ha fatto la scommessa ottenendo finanziamenti per un corso sulla RSI per le imprese. Il tutto è stato realizzato a partire da azioni di informazione, formazione e consulenza.

È da questo corso di formazione per imprenditori che è scaturito il progetto?
Sì, da questa scommessa vera e propria. Scommessa perché è risaputo che il territorio ligure non è molto facile. L’imprenditore ligure non ha molti slanci verso le novità. Ci si aspettava una complicata attività di reclutamento degli allievi e allieve che invece si è dimostrato meno complicato grazie al grande interesse suscitato dalla RSI. Abbiamo riscontrato un fortissimo interesse rispetto al progetto. Hanno partecipato dieci imprenditori, tra i quali, alcuni completamente ignari della RSI, altri più informati e alcuni con all’attivo già un bilancio sociale d’impresa. Dopo la prima edizione abbiamo pensato di replicare l’esperienza. Nell’autunno scorso abbiamo concluso la seconda edizione di approfondimento, dopo la quale gli stesi imprenditori hanno preso l’iniziativa. Hanno pensato di consorziarsi in un network che potesse divulgare con la forza dei numeri la cultura e le buone pratiche di RSI. Alcune delle aziende partecipanti hanno deciso di continuare il percorso, formalizzando maggiormente il fatto di essere “rete” e di volere contribuire a promuovere lo sviluppo del territorio, attraverso l’avvio di un laboratorio permanente dedicato alla Responsabilità Sociale d’Impresa: EticLab.
Così le dieci imprese hanno chiesto un finanziamento alla Camera di Commercio di Genova per intraprendere il progetto, che ha ricevuto i fondi. Parallelamente, la Regione Liguria, insieme ad Unioncamere Genova, ha finanziato anche un progetto per redigere le linee guide per la RSI delle PMI genovesi. Terzo elemento, che va  a chiudere il cerchio, è l’auspicata apertura di uno sportello informativo rispetto al tema. In questo modo il network potrà avere un certo ruolo strategico per la diffusione della RSI. Quest’ultimo step probabilmente non avverrà nell’immediato, a medio termine.

Come è  gestito il network delle imprese? E in che senso Eticlab è un laboratorio sperimentale?
Il network vive di vita autonoma, nel senso che sono le aziende che lo compongono a lavorare al suo sviluppo. Il CLP, per conto della Camera di Commercio, monitora i processi e i movimenti. Nello specifico sono le otto imprese che hanno dato vita al laboratorio (Consorzio Agorà, Gecofin, Gruppo IB, Gruppo Viziano, Macchine Edili Repetto, Mixura, pbcom e Saponificio Gianasso) a relazionarsi in occasione di incontri operativi e di sviluppo e a redigere un programma d’azione. Agli incontri partecipano le figure professionali più disparate individuate come di competenza dall’impresa: se si tratta di una piccolissima impresa è lo stesso amministratore che partecipa, se più grande partecipa un responsabile Qualità.
Uno dei principali obiettivi dei fondatori sarebbe quello di coinvolgerne altre 50 entro il 2010.
La prima azione concreta del network è stata la creazione della carta dei valori, in cui sono state messe per iscritto i valori e le azioni che si vogliono perseguire. Creata dalle 8 imprese fondatrici e presentata in conferenza stampa, è ora pubblicata sul sito www.eticlab.org
Secondo, avviare percorsi di formazione. Poi fare una serie di incontri, alcuni locali altri di livello nazionale, per raccontare al mondo delle imprese la RSI attraverso le loro buone pratiche che hanno contribuito alla creazione di valore aggiuntivo.
E in autunno, anticipo, vorremo proporre un grande convegno con Serge Latouche, focalizzato su come affrontare la crisi mediante la RSI. Obiettivi successivi sono quelli di attirare altre imprese, accomunate dalla base territoriale ma anche molto diverse tra loro per campi di attività, nell’ottica che la condivisione fa la forza. La diversità dei settori di attività è risultata essere uno stimolo enorme per il dialogo costruttivo.
Alla presentazione del network, per esempio, è stato molto interessante il confronto tra consorzio sociale Agorà e  il gruppo Viziano, la prima espressione della cooperazione sociale, già avanti per sua natura rispetto ai temi, e la seconda un privato per eccellenza, dedito alle costruzioni edili. Un esempio di come due imprese, due realtà opposte possano tendersi la mano.
Insomma, EticLab è formato da un gruppo di piccole e medie imprese genovesi che condividono una sola e forte idea: “i valori della sostenibilità economica, sociale e ambientale devono guidare i comportamenti delle imprese nei confronti di tutti i soggetti che con esse interagiscono, in modo da massimizzare il valore creato”.

Almeno 50 soggetti da includere nel network. Esistono dei parametri minimi per accedervi?
Quello di individuare i parametri minimi è il prossimo obiettivo, che si cercherà di raggiungere nelle riunioni delle prossime settimane.

La caratteristica che sembra emergere, quindi, è la prevalenza del fattore Territorio rispetto ad un settore particolare di applicazione delle attività RSI delle aziende. Questo aspetto è anche innovativo e sperimentale rispetto alle pratiche di RSI…
L’obiettivo è infatti creare valore per il territorio. La Camera di Commercio ha finanziato Eticlab con l’obiettivo di ricoprire un ruolo differente, non solo come luogo istituzionale dove, per esempio, fare una visura camerale, ma come soggetto promotore e motore per la rinascita di un territorio. È pur vero che esistono iniziative simili anche in altre regioni: a Padova e a Milano, per esempio, hanno attivato degli sportelli di informazione, così come a Rimini stanno curando vari progetti. L’attenzione al tema è molto alta ma Eticlab, come laboratorio sperimentale gestito dalle imprese stesse, è un progetto pilota unico in Italia.

La Responsabilità Sociale d’Impresa su Tafter.it

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In Good Company

L’ottava edizione di FotoGrafia – Festival Internazionale di Roma – è stata inaugurata poco meno di un mese fa, dopo una serie di polemiche su ritardi, difficoltà istituzionali e cambiamento del format. Effettivamente la formula del festival è cambiata: da una parte un ridimensionamento del  numero di spazi espositivi coinvolti, nonché cambiamento della tipologia degli stessi luoghi (prima più musei civici, ora accademie e istituti di cultura), oltre che una riduzione effettiva della durata. Perché questa scelta, se è stata una scelta?
Come sempre, le scelte sono a metà strada tra le necessità e i desideri. Era già da un po’ di anni che riflettevamo sul gigantismo del festival e sulla sua reale percezione all’interno del territorio romano. Come sai, Roma è sì una grande capitale ma presenta anche moltissimi limiti. Nonostante ci siano stati ben otto anni di festival, la fotografia ha fatto fatica ad affermarsi con uno spazio stabile nella programmazione annuale di spazi espositivi e musei. Per questo, negli anni, il festival ha assunto anche un po’ il compito di farsi carico di tutta una programmazione frutto del potenziale creativo della città legato al mondo della fotografia. Basti pensare che l’anno scorso erano circa 150 le mostre.
In questo modo però la forza del festival FotoGrafia si è parzialmente attenuata diventando tendenzialmente un aggregatore di singole  mostre e perdendo in parte la forza iniziale. Così ci siamo focalizzati su un nuovo format, cercando di valorizzarlo come una esperienza e non un assemblaggio di tanti fattori, emulando un modello riprodotto anche in molti altri festival. Inoltre, bisogna aggiungere che tutta la fase organizzativa ha subito, come tutti possono ricordare, le conseguenze di una serie di difficoltà oggettive e di ritardi. L’ok definitivo è stato dato a fine febbraio: se si pensa solo in termini di spazi espositivi, a così breve distanza temporale dall’inizio dell’evento, molti di questi non erano più a disposizione per le date previste. Così, conciliando una nostra riflessione e una difficoltà oggettiva, abbiamo scelto di far confluire il festival fondamentalmente in un solo grande luogo, Palazzo delle Esposizioni, con poche altre “offerte” satellitari.
Ad oggi i risultati sono ottimi. Al momento si contano più di 2000 visitatori paganti al giorno per weekend, ai quali bisogna aggiungere quelli che accedono all’offerta gratuita. Abbiamo quindi creato un luogo che coincide con il festival operando lo sforzo di offrire un concentrato significativo di quello che è il mondo della fotografia contemporanea oggi. Un risultato raggiunto anche grazie ad un allestimento innovativo, fatto molto di proiezioni e video e meno di fotografia stampata tradizionale.

Hai parlato di un tuo ideale di festival. Ci puoi spiegare qual è la tua visione in merito?
Con un po’ d’ironia nel 2006 lanciammo l’edizione di Enzimi nel quartiere San Lorenzo di Roma con un claim provocatorio:  “Questo non è un festival”, proprio a testimoniare la necessità di una inversione di rotta rispetto ad un format già allora inflazionato. La mia idea di festival è soprattutto legata a quella di far vivere al pubblico un’esperienza, intensa, che avviene in  un tempo determinato, spesso limitato, in cui si favorisca lo scambio di idee e l’incontro tra persone. Credo che un festival abbia tra le sue finalità quello di rendere accessibile alle persone non solo l’opera, quindi il prodotto artistico, ma anche chi la produce e la realizza. È una grande occasione di accesso non solo in termini di consumo artistico ma anche in termini di creazioni artistiche. Tradotto in termini concreti, legati all’edizione 2009 di FotoGrafia, nei primi tre giorni del festival abbiamo registrato la presenza di oltre 100 fotografi, curatori, e operatori internazionali  presenti a Roma; non si trattava solo degli autori delle mostre presentate, ma di professionisti interessati e coinvolti in varie attività. È stato il caso delle letture Portfolio, che hanno riscontrato molto successo e alle quali abbiamo abbinato un premio molto importante. È stato il caso degli eventi e delle proiezioni fatte all’interno dell’auditorium del Palazzo delle Esposizioni, ogni giorno dalle 10 alle 22; ed è stato il caso del progetto “In Between” , un workshop di 60 ore durante le quali 24 fotografi hanno girato per tutta Roma fotografando la loro esperienza e percezione della città. Un percorso che ha tralasciato il centro storico e l’estrema periferia e si è concentrata in quella fascia tra l’anello ferroviario e il raccordo anulare. In pochi giorni siamo riusciti a condensare quindi la parte più tradizionale a quella più innovativa legata al mondo dei workshop e degli eventi.
Abbiamo poi fatto in modo di condensare tutte le inaugurazioni di tutte le iniziative nella prima settimana, coinvolgendo tutti gli spazi e restringendo la durata e l’offerta. Mentre l’anno scorso il circuito accoglieva più di 100 esposizioni, quest’anno ne accoglie poco più di venti. Inoltre, prima,  nel periodo del festival, accoglievano tutte le mostre che si svolgevano, adesso chiediamo alle gallerie di presentare una unica mostra e di realizzarla ad hoc per il festival. I risultati mi paiono confortanti.

FotoGrafia  si può definire ancora un festival internazionale, a livello di pubblico, di parteciazione artisitca e di interesse all’estero?
Io credo assolutamente di sì e che sia il nuovo festival della fotografia internazionale. Pensa che la mostra principale che si chiama Gioia, nasce da una call for proposal lanciata su internet mediante tutti i nostri canali internazionali. In poco più di un mese sono arrivate più di 100  proposte, tra le quali abbiamo ne selezionate una trentina. All’interno della selezione credo ci siano i più grandi artisti della fotografia del prossimo decennio. Penso a Kuba Dabrowski, un ragazzo venticinquenne, o Alejandro Chaskielberg, ragazzo sudamericano che ha fatto un lavoro bellissimo su un fiume del Paraguay.
La cosa che mi conforta di più è che FotoGrafia non è un festival di importazione. Niente arriva a Roma come una partita di giro e di scambio ma proprio grazie alla nostra presenza nei circuiti internazionali riusciamo a realizzare progetti di questo calibro. Molto del lavoro che svolgiamo non può essere  visibile nella programmazione ma è fatto di relazioni di lunga durata. Io  e Anna Gianesini di Zoneattive siamo i due referenti internazionali per gli importanti network internazionali. Nello specifico per Talent Latent, iniziativa che fanno da due anni a Terragona: ci sono 90 satelliti in giro per il mondo che selezionano artisti emergenti. Su una base di 223 se ne selezionano quindici, per unag rande mostra e catalogo in Spagna.  Noi siamo uno dei 90 satelliti. Lo stesso per Critical Mass, promosso da Foto Lucida, a Portland, che è la più interessante iniziativa statunitense sulla nuova fotografia. E poi circuiti più istituzionali come il Mese europeo della fotografia, del quale siamo partner dalla sua fondazione, e che permette ogni due anni di far circuitare una mostra, quest’anno è Mutuation II, nelle sette capitali che ne fanno parte. C’è un lavoro importante e oggettivo dal punto di vista internazionale.

Quest’anno anche molto più spazio ai premi, cioè ai fotografi non professionisti o non famosi…
Si, è una scelta coerente all’idea di fornire maggiore occasione di accesso al circuito: mentre prima, facendo più di 100 mostre, si riusciva a dare “sfogo” alla creatività di molti, ora puntiamo all’aumento della qualità del circuito fornendo comunque opportunità di accesso. L’istituzione del premio portfolio svolge questa funzione.

Quale futuro per FotoGrafia e per Zoneattive?
Mi auguro sia un futuro diverso dalla realtà presente, o meglio più stabile e sistematica.  Credo che il limite maggiore sia non avere una struttura dedicata al festival per 365 giorni l’anno, come avviene in tutti i grandi festival. Allo stato attuale non esiste alcuna organizzazione ad hoc, a parte l’investimento che Zoneattive ha fatto, quasi a titolo volontario, per portare avanti il progetto. Non vedo al momento le condizioni per realizzare una Casa della Fotografia, ma per esempio si potrebbe istituire un dipartimento di fotografia all’interno del MACRO, o semplicemente dare continuità del lavoro di Zoneattive e portare anche FotoGrafia all’interno del nuovo contenitore de La Pelanda, il Centro di produzioni culturali al Mattatoio di Testaccio pronto per la fine di quest’anno. Se non si dovesse prendere una decisione in merito alla struttura organizzativa, si rischia che tutte le iniziative non abbiano futuro e perdano di credibilità a livello internazionale. Sono convinto che bisogna consolidare il progetto: o lavoriamo sui processi che lo sostengono oppure non siamo nelle condizioni di poter generare un lavoro ben fatto. La proposta che si ventilava  con Marco Delogu sarebbe una organizzazione diversa per la curatela dei contenuti: una soluzione interessante potrebbe essere il coinvolgimento di un team di giovani curatori selezionati con bando. Di fatto creare dei meccanismi strutturati per creare reali condizioni di accesso ai nuovi talenti, magari ogni tanto ricordando per primi a noi stessi quello che vent’anni fa già cantava Battiato: “Mandiamoli in pensione i direttori artistici e gli addetti alla cultura!”

Photo Credits: Gallery www.fotografiafestival.it

Indiscusso è il ruolo primario e strategico rispetto alle politiche e alle strategie internazionali, rappresentando parallelamente una sorta di forum mondiale sulle politiche turistiche e una fonte per il know-how del settore.
Ne fanno parte 161 tra Paesi e territori e più di 370 membri affiliati facenti parte del settore privato, da istituti di formazione ad associazioni turistiche e autorità locali del turismo. L’Italia rientra tra gli stati membri, avendovi aderito nel 1978, tre anni dopo la sua istituzione nella forma associativa attuale.
Grazie al sito web, consultabile in inglese, francese, spagnolo, russo e arabo, si ha accesso al variegato panorama della attività del WTO: illustrate in maniera molto schematica e semplice le attività che svolge o che sostiene, oltre che le informazioni di settore e appuntamenti internazionali che ruotano attorno al turismo. È nelle aree Programmes e Regionale Activities che si possono scoprire le diverse tipologie di progetti condotte e l’organizzazione, gestita mediante le aree geografiche.
Le sezioni News e Calendar sono invece per leggere le informazioni “mordi e fuggi”.
Se invece si vuole approfondire su qualsiasi aspetto della WTO le Features e la sezione Publications lo permettono.
Attraverso In Focus, invece, si accede ad aree dedicate a temi specifici: campeggia al momento della presente rilevazione il World Tourism Day 2009.
Un elemento curioso che richiama l’attenzione del navigatore è un countdown per Copenaghen: mancano 172 giorni alla United Nations Climate Change Conference in Copenhagen, 7-18 December. Mentre il tempo inesorabilmente scorre si può continuare a ricercare informazioni, magari nella sezione Courses, Research & Scholarships o nella area Multimedia.

 
Il Festival della Lingua Italiana e dell’Alfabetizzazione si è appena concluso. Ci racconta come è nata l’idea? La sua istituzione è una logica tappa di un percorso intrapreso con la fondazione del premio Mario Luzi?
L’esperienza del premio Luzi ha certamente dato un forte impulso alla realizzazione di questa idea, grazie alla risposta positiva e il dialogo proficuo che si è istaurato con le istituzioni. Inoltre, l’esempio della figura di Luzi, che non è solo una figura generica della letteratura del Novecento ma è una delle poche figure emblematiche caratterizzate, oltre che dall’apprezzabilissimo dato letterario, anche da un grande senso di responsabilità civile, è stata un forte impulso. È da quella esperienza che presenta i principi letterari di Luzi, sia come  poeta che come uomo, che nasce questa iniziativa del festival, in un certo senso a sé stante per questa edizione, ma che a partire già dall’edizione 2010 sarà annessa al premio. C’è sicuramente una sorta di continuità in questo percorso che ho intrapreso (all’età di 24 anni nel 2004) che si intende portare avanti. Tengo a sottolineare che si tratta di principalmente di una promozione culturale fondata sui contenuti e su un livello critico che oggi viene meno da parte dal mondo della cultura, nel quale c’è una uniformità di prospettive che rende la promozione culturale qualcosa di troppo simile e poco differenziata e incisiva.
Si tratta del primo grande evento in Italia interamente dedicato alla promozione della nostra lingua italiana e dell’alfabetizzazione.

 
Si tratta quindi di promozione culturale nel senso più ampio e non di promozione della lingua esclusivamente. La denominazione è un tentativo di restringere il campo di interesse a qualcosa di tangibile?
L’idea del festival ha un orizzonte molto più largo certamente. Abbiamo preso la lingua  italiana come emblema della nostra cultura e identità, ampliandone la prospettiva. Il nostro intento è di promuovere la lingua non in maniera protezionista, come si è sempre fatto, ma come uno strumento attraverso il quale passa la comunicazione quotidiana; l’uso e il disuso di una lingua possono essere uno specchio rispetto alla società stessa. Tornare quindi a investire una lingua di un valore etico e morale (oltre che di valore culturale) da destinare all’uso della parola è la nostra visione del festival, una prospettiva che forse è sempre mancata in azioni di promozione della lingua.
È per questo che non ci focalizziamo solo alla lingua ma anche sui temi dell’alfabetizzazione, sull’idea di una cultura “umana”, quella del dialogo, volta all’innalzamento dei livelli qualitativi della comunicazione. La lingua è strumento di stampa, cultura, letteratura e del quotidiano. La lingua è uno strumento democratico. In sintesi, il Festival intende, pertanto, proporre una visione emblematica e del tutto inedita della nostra Lingua Italiana: una lingua che sappia superare gli schematismi accademici ed adoperarsi per un nuovo progetto sociale, che guardi ai problemi del nostro tempo, alle criticità del sistema mondiale ed alle nuove frontiere del sistema educativo, perché il diritto al futuro divenga finalmente un diritto intangibile dei giovani di tutto il mondo.

Quali iniziative tangibili sono state destinate allo scopo?
Almeno due. Una è la campagna comunicativa (attraverso lo spot solidale, legato sia alla lingua italiana che all’alfabetizzazione dei popoli) a mezzo radio e circuiti urbani (mezzi pubblici, cartellonistica, ecc). La seconda azione concreta è l’iter portato avanti per la sottoscrizione di un protocollo d’intesa, in una fase successiva,  programmata con il ministero dell’Istruzione , per la realizzazione di specifici progetti. Il protocollo prevede la stesura di linee guida specifiche sulla base di questi valori culturali ed etici, al fine di portare nelle scuole questa sensibilità, legata ai valori dell’accoglienza e del dialogo, della cultura come chiave di lettura della contemporaneità.

Quindi si tratta di un evento complesso ed articolato capace di coniugare questioni proprie della nostra cultura nazionale con prospettive mondiali quale, appunto, il problema dell’alfabetizzazione. Pone al centro delle sue attività la formazione dei giovani ed intende, pertanto, rivolgersi a tutti i soggetti considerati parte in causa nel processo formativo; inoltre, si legge dalla vostra comunicazione che è prima di tutto una operazione comunicativa e di sensibilizzazione sulla questione della lingua e più in generale sulle modalità della nostra comunicazione odierna. Possiamo dire che il festival volga in due direzione? Una nazionale e una globale (legata all’alfabetizzazione globale)?
L’ambizione è quella di essere anche un progetto internazionale, infatti. Per questo saremo supportati da una associazione, Satiagra onlus, che vantando un’esperienza decennale, opera nell’India meridionale, dove l’alfabetizzazione non è un problema rilevante ma un piaga, così come in altre aree depresse del mondo.
Riferendoci al nostro sistema culturale italiano, riscontriamo criticità non trascurabili. Grazie al monitoraggio di associazioni e enti che si occupano di cultura, sappiamo che in Italia almeno una persona su  17 non sa né leggere né scrivere, specialmente nel Meridione dove l’illegalità, causa di numerosi ritardi e negligenze, incalza. Non a caso, tra i firmatari del Manifesto per la Lingua Italiana e per l’Alfabetizzazione dei Popoli, compare Pietro Grasso, procuratore nazionale antimafia, a testimoniare la necessità anche della legalità nella promozione della cultura. Dove vige l’illegalità la vita è precaria e si penalizza la cultura, privilegiando altre tipologie di “culture”.

 
A proposito di Manifesto…Il Manifesto della lingua italiana e dell’Alfabetizzazione”, promosso da Lei (Mattia Leombruno, ndr) e scritto dal poeta e filosofo Marco Guzzi, ha un ruolo determinate nell’avvio di questa campagna di promozione. Tra i firmatari troviamo personalità di spicco, della cultura italiana Giuseppe De Rita, Presidente del CENSIS, Dario Fo, Attore, e ancora Arnaldo Pomodoro e Massimo Cacciari, solo per citarne alcuni.
Che ruolo ha questo manifesto? Quale è stato il canale di pubblicizzazione dell’iniziativa?
È uno strumento di dialogo con la comunità civile: chiunque può dare l’adesione. Per noi ha un grandissimo valore simbolico, non solo per poter promuovere alle autorità una giornata nazionale della lingua italiana, ma perché è un modo per aprire il dialogo su una ferita aperta e per lanciare un vero e proprio movimento culturale. Rappresenta un importante strumento di comunicazione culturale e sociale, ovvero di adesione e condivisione popolare estremamente significativa.
Come detto, il valore simbolico è indubbio ma è soprattutto uno strumento per affermarsi a livello istituzionale. Certamente ha un valore reale per una proposta di una giornata nazionale.. Come ben sa, dal punto di vista tecnico per l’istituzione di una giornata nazionale, due sono gli iter che si possono seguire: il primo è incardinato nell’iter dei rami del parlamento, mediante la proposta di legge; l’altra è mediante iniziativa popolare che propone una petizione, con le modalità dovute, il deposito in cassazione e dopo sei mesi giungere a 50mila firme per poi portarla all’attenzione del parlamento.
A livello di pubblicità del manifesto, effettivamente non è stato effettuato una campagna massiccia.
L’obiettivo  è quello di influire, attraverso il concorso di alcune istituzioni, anche per brevità e maggiori probabilità di successo, e di creare un’intesa all’interno del Parlamento, sempre allo scopo dell’istituzione della giornata nazionale. È un’iniziativa nelle corde del dna delle nostre istituzioni e crediamo che con questa modalità si possa raggiungere l’obiettivo. La raccolta quindi no è vana e solo simbolica. C’è un piccolo movimento culturale che ha a cuore l’iniziativa. Inoltre, anche l’accademia della Crusca supporta la nostra idea, compreso il presidente dell’accademia che ha partecipato alla prima edizione del premio.
Tra l’altro, lo stesso Mario Luzi tenne un discorso all’accademia nel 2003 o 2004 sulla lingua italiana e in un passaggio, disse: “avere una lingua italiana ma anche essere avuta da lei” ovvero riconoscere nella lingua italiana la propria “cifra” storica.
Devo rilevare, però, che se da una parte,  le maggiori istituzioni italiane che si occupano di cultura, promuovono grandissime manifestazioni, sembrano spesso impantanate in una certa inerzia, manca sempre di uno spunto critico nei confronti della contemporaneità.
Il vero grande problema della cultura oggi è di non essere più uno strumento di condivisione legato ai grandi valori umani. La cultura non riesce più a dialogare con le persone e le istituzioni non riescono a contrastare questo problema sociologico e antropologico.
L’iter di questa iniziativa è inconsueto ma penso sia apprezzabile. Guardandola come osservatore esterno, rappresenta l’iniziativa di un cittadino che richiama, come direbbe Luzi, “al fuoco della controversia” una serie di istituzioni sull’interesse generale.

 
Sembra si tratti di un dialogo molto più istituzionale che “popolare”…
Direi di no. Semplicemente siamo in una fase di avvio. Partiremo sicuramente dalle scuole. Marco Guzzi, che ha scritto il manifesto, parla di un allarme rispetto all’alfabetizzazione emotiva.
A partire dall’istituzione del festival, porteremo  misure concrete e su quelle cominceremo a lavorare. L’esigenza era quella di iniziare il prima possibile con il festival. Per la prima edizione sarà solo una due giorni di spettacoli, focalizzati sul tema. Poi, già da settembre, organizzeremo una conferenza che affronterà contenuti più aderenti alla promozione culturale, nel, quale coinvolgeremo le istituzioni che di cultura si occupano, per esempio Associazione Italiana editori e associazione italiana biblioteche, fermo restando il dialgo coni ministeri competenti  (Istruzione e MiBAC) e scuole, genitori, ecc.
La fase dei contenuti la collochiamo in fase successiva.

Come si immagina la seconda edizione del festival della lingua italiana? Come localizzarlo e quale periodo temporale?
Senz’altro ripartito su un arco di tempo allungato, non due giornate. Poi stiamo valutando l’idea di trovare forme di coinvolgimento per dialogare con le persone; fare qualcosa di analogo al premio Luzi ma per la promozione della lingua. Sicuramente non solo ricorrenza dopo la quale si spengono i riflettori ma un lavoro duraturo.

Avete pensato al coinvolgimento di “creativi” della lingua o anche di altre forme espressive?
Pensavamo al coinvolgimento di tutte le forme espressive, oltre la lingua scritta. Non posso farla anticipazioni ma lo abbiamo già pensato. Lo stesso logo di questa edizione  non è stato realizzato da uno studio grafico ma dal maestro Giuseppe Maraniello. Riteniamo che anche attraverso l’arte si espliciti la lingua italiana, una lingua che si esplicita anche in silenzio. Sarebbe auspicabile creare un movimento culturale di voci differenti. Riteniamo che il sistema italiano metta ai margini le eccellenze e vorremmo che la cosiddetta fuga dei cervelli avesse uno stop, creando accoglienza per la creatività e l’ingegno italiano. Parlare di lingua italiana senza l’ingegno non ha neanche senso.

La comunicazione tra reale e virtuale
High touch o High tech?
A cura di Sergio Cherubini e Simonetta Pattuglia 
Franco Angeli Editore euro 16,50
ISBN: 978-88-568-0572-3
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www.tipoitalia.it

La prima associazione volontaria ad essere arrivata sul campo a supporto delle attività di tutela dei beni culturali in emergenza è Legambiente, con gruppi di volontari specializzati nella tutela dei beni culturali in emergenza e nell’intervento legato ai rischi sismici.  Il Gruppo di Protezione civile dei beni culturali dei volontari di Legambiente si prepara a portare in salvo tutto quello che il devastante terremoto dell’Aquila non ha polverizzato: quadri, sculture, manoscritti e volumi semisepolti.
Tafter ha intervistato Daniel Noviello, responsabile nazionale Protezione civile dell’associazione ambientalista, per tentare di capire come le attività saranno organizzate e indagare sullo stato attuale dell’emergenza per il patrimonio artistico…

Sappiamo che Legambiente è in prima linea per l’emergenza terremoto Abruzzo. Le squadre di volontari, coordinate dal settore protezione civile di Legambiente, sotto la sua direzione, stanno partendo da tutta Italia per raggiungere la zona dell’Aquila duramente colpita dal sisma per portare assistenza e solidarietà alla popolazione. Che genere di attività sono previste? E quale sarà orientativamente il piano d’azione dei volontari Legambiente?
Siamo arrivati a L’Aquila ieri mattina e abbiamo preso visione della situazione. Su coordinamento del Dipartimento generale Protezione Civile, per i primi 2-3 giorni, i nostri volontari supporteranno le attività richieste, dal trasporto di coperte alla distribuzione pasti e acqua, e via dicendo. Appena la situazione si sarà placata, e le confermo che già sono iniziati i primi sopralluoghi per quanto riguarda il patrimonio artistico-culturale, le squadre verranno attivate in collaborazione con Vigili del fuoco, Soprintendenza e Protezione Civile, per la messa in sicurezza dei beni mobili nei contenitori lesionati. Si prevede che le attività avranno una durata di almeno un mese, un mese e mezzo.

 
I beni culturali colpiti sono numerosi. Avete già individuato quali saranno oggetto di attenzione delle attività volontarie? In che modalità state operando in riferimento a questi beni architettonici e culturali? Ci sono altri gruppi di volontari per la messa in sicurezza dei Beni Culturali Mobili?
La priorità di intervento è stabilita dalla Soprintendenza. A livello operativo saranno i loro funzionari che indicheranno alle squadre su cosa agire. Noi chiaramente siamo a loro completa disposizione. Per adesso si è iniziato a stilare una lista dei beni che sarà terminata solo successivamente alla messa in sicurezza dei beni contenitori – musei, chiese, edifici. Fino a che ciò non avviene non è assolutamente permesso accedervi. Siamo in un work in progress. Bisogna aspettare.
Per adesso siamo presenti in Abruzzo come associazione capofila in questa specializzazione, e siamo gli unici, almeno per ora. In tutta Italia abbiamo a disposizione circa 100 volontari formati ad hoc, provenienti dai circoli regionali: da quello delle Marche a quello di Roma, ma anche Reggio Calabria, Livorno, Pisa, Napoli, e tanti altri. Sono 13 i gruppi specializzati in beni culturali, e circa 50 quelli preparati in attività di protezione civile. Qui siamo in una settantina di persone. Molti hanno operato anche per il terremoto dell’Umbria-Marche, mettendo in sicurezza più di 1.000 opere. 

Tutti i volontari sono stati formati ad hoc per la costituzione di una vera e propria “task force” per il patrimonio storico-artistico. A seguito del corso di specializzazione, hanno ricevuto una divisa e tutti i materiali e le attrezzature necessarie. In questo modo il loro inserimento nelle strutture operative della Protezione Civile permette alle squadre di intervenire prontamente ed efficacemente nei casi di emergenze locali e nazionali. Di che genere di equipaggiamento sono forniti i gruppi? E come sono costituiti i gruppi?
Prima di tutto i dispositivi di protezione individuale. A quelli specializzati in beni culturali  sono forniti materiali stabiliti d’intesa con funzionari di protezione civilee il MiBAC. Per la messa in sicurezza dei beni mobili in caso di emergenza, si va dal tessuto-non tessuto al Multibol  – materiale utilizzato per avvolgere i  diversi prodotti proteggendoli da urti e graffi -. C’è un imballo con materiali scelti ma non troppo particolari, perché possano essere reperibili facilmente sul territorio. Dopo le operazioni di recupero e di imballaggio, avviene la delocalizzazione e la catalogazione.
I gruppi presentano un’età media 30 anni, almeno un corso di formazione alle spalle sul sistema di protezione civile dei beni culturali, dove hanno appreso di catalogazione, tecniche artistiche, pratiche di imballo di oggetti fragili. Pensi che anche solo saper camminare in uno scenario devastato senza provocare danni ulteriori o farsi male è una tecnica che non si improvvisa. Ogni squadra di recupero beni mobili è generalmente composta da dieci unità: il caposquadra, un restauratore, due schedatori, un fotografo, due imballatori, due trasportatori e un autista.
Considerato che il lavoro sarà tanto e prolungato nel tempo, ci sarà sicuramente una turnazione di squadre Legambiente Beni culturali.

Ci sa dire se sono stati individuati i locali dove mettere in sicurezza i beni recuperati?
Per il momento ancora non ci è stata comunicata ufficialmente la notizia, anche se il Ministero, nella persona di Giuseppe Proietti, ha informato la stampa dell’avvenuta individuazione di un deposito per il ricovero delle opere recuperate da edifici di culto e non pericolanti, sicuro da nuove scosse e da eventuali incursioni di ladri e sciacalli. Si tratta di una scelta presa in parallelo all’inizio delle attività e vincolante al via delle operazioni.
Aspettiamo direzioni dal MiBAC che ha anche costituito anche una task force di esperti che hanno operato nel recupero di beni mobili e nella messa in sicurezza degli edifici durante il sisma in Umbria del 1997, e che sarà di supporto ai funzionari locali già presenti in zona. Per ora, la parola d’ordine è aspettare. 

Per approfondimenti:
www.legambiente.eu/documenti/2003/1217modelloOperativobeniCult/ModelloOperativoBC.php